— это один из основных видов изобразительного искусства; представляет собой художественное изображение предметного мира цветными красками на поверхности. Живопись подразделяют на: станковую, монументальную и декоративную.

— в основном представлена работами, выполненными масляными красками на холсте (картоне, деревянных досках или оголите). Представляет собой самый массовый вид живописи. Именно этот вид обычно и применяют к термину "живопись ".

— это техника рисования на стенах при оформлении зданий и архитектурных элементов в зданиях. Особенно распространена в Европе фреска - монументальная живопись по сырой штукатурке водорастворимыми красками. Эта техника рисования хорошо известна ещё со времён античности. Позже, такая техника использована при оформлении многих христианских религиозных храмов и их сводов.

Декоративная живопись — (от латинского слова от decoro - украшать) это способ рисования и нанесения изображений на предметы и детали интерьера, стены, мебель и другие декоративные предметы. Относится к декоративно-прикладному искусству.

Возможности живописного искусства особенно ярко раскрывает станковая живопись с 15 века, с момента массового использования масляных красок. Именно в ней доступно особое многообразие содержания и глубокой разработанности формы. В основе живописных художественных средств лежат цвета (возможности красок), в неразрывном единстве со светотенью, и линия; цвет и светотень разработаны и развиты техниками живописи с полнотой и яркостью, недоступной другим видам искусства. Этим обусловлено присущее реалистической живописи совершенство объёмной и пространственной моделировки, живая и точная передача действительности, возможности реализации задуманных художником сюжетов (и способов построения композиций) и другие изобразительные достоинства.

Ещё одним отличием в различиях видов живописи является техники исполнения по разновидностям красок. Не всегда достаточно общих признаков для определения. Границу между живописью и графикой в каждом отдельном случае: например, произведения, выполненные акварелью или пастелью, могут относиться и к той и к другой области, в зависимости от подхода художника и поставленных им задач. Хотя рисунки на бумаге и относятся к графике, применение различных техник рисования красками иногда стирает различия между живописью и графикой.

Необходимо учитывать, что сам семантический термин "живопись" является словом русского языка. Оно взято для использования как термин в период формирования в России изобразительного искусства в эпоху барокко . Использование слова "живопись" в то время применялось только к определённому виду реалистичного изображения красками. Но изначально оно происходит от церковной техники рисования икон, в которой использовано слово "писать" (относящееся к письменности) потому, что это слово является переводом значения в греческих текстах (вот такие "трудности перевода"). Развитие в России собственной художественной школы и наследование европейских академических знаний в области искусства, развило область применения русского слова "живопись", вписав его в образовательную терминологию и литературный язык. Но в русском языке так и образовалась особенность значения глагола "писать" в отношении письменности и рисования картин.

Жанры живописи

В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила.

Портрет — это реалистичное изображение человека, в котором художник пытается добиться сходства с оригиналом. Один из самых популярных жанров живописи. Большинство заказчиков использовали талант художников, чтобы увековечить собственное изображение или, желая получить изображение близкого человека, родственника и т.п. Заказчики стремились получить портретное сходство (или даже приукрасить его) оставив в истории зрительное воплощение. Портреты различных стилей являются самой массовой частью экспозиции большинства художественных музеев и частных коллекций. Данный жанр включает в себя и такую разновидность портрета, как автопортрет — изображение самого художника, написанное им самим.

Пейзаж — один из популярных живописных жанров, в котором художник стремится отобразить природу, её красоту или особенность. Различные виды природы (настроение времени года и погоды) оказывают яркое эмоциональное влияние на любого зрителя - это психологическая особенность человека. Стремление получить эмоциональное впечатление от пейзажей сделало этот жанр одним из самых популярных в художественном творчестве.

— этот жанр во многом похож на пейзаж, но имеет ключевую особенность: на картинах изображаются пейзажи с участием архитектурных объектов, зданий или городов. Особое направление - уличные виды городов, передающие атмосферу места. Ещё одним направлением этого жанра является изображение красоты архитектуры конкретного здания - его внешнего вида или изображения его интерьеров.

— жанр, в котором основным сюжетом картин является историческое событие или его интерпретация художником. Что интересно - к этому жанру относится огромное количество картин на библейскую тему. Так как в средневековье библейские сюжеты считались "историческим" событиями и основными заказчиками этих картин была церковь. "Исторические" библейские сюжеты присутствуют в творчестве большинства художников. Второе рождение исторической живописи происходит во времена неоклассицизма, когда художники обращаются к известным историческим сюжетам, событиям из времён античности или национальным легендам.

— отражает сцены войн и сражений. Особенностью является не только желание отразить историческое событие, но и донести зрителю эмоциональное возвышение подвига и героизма. В последующем, этот жанр становится ещё и политическим, позволяя художнику доносить зрителю свой взгляд (своё отношение) на происходящее. Подобный эффект политического акцента и силу таланта художника мы можем видеть в творчестве В. Верещагина .

— это жанр живописи с композициями из неодушевлённых предметов, с использованием цветов, продуктов, посуды. Этот жанр один из самых поздних и сформировался в голландской школе живописи. Возможно, его появление вызвано особенностью голландской школы. Экономический расцвет 17 века в Голландии привёл к стремлению к доступной роскоши (картинам) у значительного количества населения. Эта ситуация привлекла в Голландию большое количество художников, вызвав острую конкуренцию среди них. Бедным художникам были недоступны модели и мастерские (люди в соответствующих одеждах). Рисуя картины на продажу, они использовали подручные средства (предметы) для композиций картин. Эта ситуация в истории голландской школы является причиной развития жанровой живописи.

Жанровая живопись — сюжетом картин являются бытовые сцены повседневной жизни или праздников, обычно - с участием простых людей. Так же как и натюрморт, получает распространение у художников Голландии в 17 веке. В период романтизма и неоклассицизма этот жанр обретает новое рождение, картины стремятся не столько отразить повседневный быт, сколько романтизировать его, внести в сюжет определённый смысл или мораль.

Марина — вид пейзажа, в котором изображаются морские виды, прибрежные пейзажи с видом на море, восходы и закаты на море, корабли или даже морские сражения. Хотя существует и отдельный батальный жанр, но морские сражения всё равно относятся к жанру "марина". Развитие и популяризация этого жанра также можно отнести к голландской школе 17 века. Пользовался популярностью в России благодаря творчеству Айвазовского .

— особенностью этого жанра является создание реалистичных картин, изображающих красоту животных и птиц. Одной из интересных особенностей этого жанра является наличие картин, изображающих несуществующих или мифических животных. Художники, которые специализирующиеся на изображениях животных называются анималистами .

История живописи

Потребность в реалистичном изображении существовала с древнейших времён, но имела ряд недостатков из-за отсутствия технологий, систематизированной школы и образования. В древности чаще можно встретить примеры прикладной и монументальной живописи с техникой рисования по штукатурке. Во времена античности, большее значение придавалось таланту исполнителя, художники были ограничены в технологии изготовления красок и возможности получить систематизированное образование. Но уже в античности сформировались специализированные знания и труды (Витрувий), которые будут основой нового расцвета европейского искусства в эпоху Возрождения. Декоративная живопись получала существенное развитие во времена греческой и римской античности (школа утеряна в средние века) уровень которой был, достигнут только после 15 века.

Роспись римской фрески (Помпеи I век до н.э.), пример уровня техники античной живописи:

"Тёмные века" средневековья, воинствующее христианство и инквизиция приводят к запретам на изучение художественного наследия античности. Огромный опыт античных мастеров, знания в области пропорций, композиции, архитектуры и скульптуры оказываются под запретом, а многие художественные ценности уничтожаются из-за их посвящения античным божествам. Возвращение к ценностям искусства и науки в Европе происходит только в период Ренессанса (возрождения).

Художникам раннего Ренессанса (возрождения) приходится навёрстывать и возрождать достижения и уровень античных художников. То, чем мы восхищаемся в работах художников раннего Возрождения, было уровнем мастеров Рима. Наглядный пример потери нескольких веков развития европейского искусства (и цивилизации) в период "тёмных веков" средневековья, воинствующего христианство и инквизиции - разница между этими картинами 14 веков!

Возникновение и распространение технологии изготовления масляных красок и техники рисования ими в 15 веке порождает развитие станковой живописи и особый вид продукции художников - цветные картины масляными красками на грунтованном холсте или дереве.

Огромный скачок в качественном развитии живопись получает в эпоху Ренессанса , во многом благодаря труду Леона Баттиста Альберти (1404-1472 гг.). Он впервые изложил основы перспективы в живописи (трактат "О живописи" 1436 г.). Ему (его трудам по систематизации научных знаний) европейская художественная школа обязана появлению (возрождению) реалистичной перспективы и естественности пропорций в картинах художников. Знаменитый и знакомый многим рисунок Леонардо да Винчи "Витрувианский человек " (пропорции человека) 1493 года, посвящённый систематизации античных знаний Витрувия о пропорциях и композиции, был создан Леонардо на полвека позже трактата Альберти "О живописи". И труд Леонардо является продолжением развития европейской (итальянской) художественной школы Эпохи Ренессанса.

Но яркое и массовое развитие живопись получила, начиная с 16-17 веков, когда стала распространенной техника масляной живописи, появились различные технологии изготовления красок и сформировались школы живописи. Именно система знаний и художественного образования (техника рисования), в сочетании со спросом на произведения искусства у аристократии и монархов приводит к бурному расцвету изобразительного искусства в Европе (период барокко).

Неограниченные финансовые возможности европейских монархий, аристократии и предпринимателей стали прекрасной почвой для дальнейшего развития живописи в 17-19 веках. А ослабление влияния церкви и светский образ жизни (помноженные на развитие протестантизма) позволили родиться множеству сюжетов, стилей и направлений в живописи (барокко и рококо).

В ходе развития изобразительного искусства, художниками сформировано множество стилей и техник, которые приводят к высочайшему уровню реализма в произведениях. К концу 19 века (с приходом модернистских течений) в живописи начинаются интересные трансформации. Доступность художественного образования, массовая конкуренция и высокие требования к мастерству художников у публики (и покупателей) порождают новые направления в способах выражения. Изобразительное искусство уже не ограничено только уровнем техники исполнения, художники стремятся внести в произведения особые значения, способы "взгляда" и философию. Что часто идёт в ущерб уровню исполнения, становится спекуляцией или способом эпатажа. Разнообразие возникающих стилей, оживлённые обсуждения и даже скандалы порождают развитие интереса к новым формам живописи.

Современные компьютерные (цифровые) технологии рисования относятся к графике и не могут называться живописью, хотя многие компьютерные программы и оборудование позволяют полностью повторять любые техники рисования красками.

Стили живописи - тема очень обширная, можно сказать вечная. Люди часто используют термины которые не совсем правильно понимают, из-за этого бывают путаницы и неразберихи. Именно поэтому, я хочу коротко и доступно рассказать все что знаю о направлениях в живописи. Чтобы не превращать статью в унылый урок истории, я ёмко расскажу про самые востребованные и актуальные направления на сегодняшний день. Стили живописи с иллюстрациями - удобный и быстрый способ ознакомиться с важнейшими течениями в изобразительном искусстве.

Готика

«Алтарь семьи Мероде». Робер Кампен. 1430-е годы.

Готика – это течение в искусстве, которое накрыло все страны Западной и Центральной Европы. Тогда готика была во всем – в скульптуре, живописи, витраже и т.п. она использовалась везде где только можно, произошел «культурный бум». Такая популярность обусловлена последним шагом эволюции из средневекового искусства. Центром и главным фигурантом готического стиля была архитектура — высокие арки, цветные витражи, множество деталей. Романская эпоха не выдержала такой натиск и осталась на обочине истории.

Годы: 1150 — 1450.
Бартоло ди Фреди, Джотто, Ян Полак, Ян ван Эйк.

Ренессанс (Возрождение)

«Кающаяся Мария Магдалина». Тициан. 1560-е годы.

Эпоха Возрождения возникла на почве падения Византийской империи и культурного переполоха, который произошел по этому поводу в Европе. Византийцы которые вынуждены были бежать, вместе с культурными связями, принесли на земли Европы произведения искусства и библиотеки. Таким образом произошло своеобразное возрождение античных взглядов, но на современный лад. С годами многие моменты пересматривались и ставились под сомнение. В целом, царствовал светский гуманизм и идеи процветания.

Годы: 1400 — 1600.
Иероним Босх, Леонардо да Винчи, Тициан.

Барокко

«Юдифь и Олоферн». Караваджо. 1599 год.

Барокко — Европейское культурное наследие родом из Италии. Характеризует собой ироническую порочную красоту, неестественную элитность и вычурность. Свойственные черты таких картин — высокий контраст, напряженность сюжета, натянутая до предела динамика персонажей. Квинтэссенцией барокко принято считать церковь Санта-Мария-делла-Витториа, она находится в Риме.

Годы: 1600-1740.
Караваджо, Рембрандт, Рубенс, Ян Вермеер.

Классицизм

«Милосердие Сципиона Африканского». Помпео Батони. 1772 год.

Классицизм сыграл громадную роль в искусстве, как фундаментальное течения в живописи 18-го века. Из самого названия все становится понятно (лат. classicus значит образцовый, примерный).
Художники ставили себе цель, приобщить зрителя к высокому, а их картины были путеводной звездой. Высокая мораль, сдержанная культура и традиционные античные ценности стали основой классицизма. В эпоху классицизма в Европе произошел культурный рост и переоценка ценностей, искусство вышло на совершенно другой уровень.

Годы: 1700 — 1800.
Карл Брюллов, Жан-Батист Грёз, Пуссен Никола.

Реализм

«Бродячие акробаты». Гюстав Доре. 1874 год.

Реализм пытается с наибольшей достоверностью передать настроение момента, миг реальности на полотне. Но в свою очередь он не ограничен четкими рамками, единственные правила состоят в том, что в картине не должно быть места для вещей, которые исключают реалистичность. В ходе экспериментов, под конец XVIII века, этот стиль поделили на натурализм и импрессионизм. Но, реализму удалось выжить и он пользуется популярностью даже в современной живописи.

Годы: 1800 — 1880.
Вильям Бугро, Гюстав Курбе, Жан-Франсуа Милле.

Импрессионизм

«Впечатление. Восходящее солнце». Клод Моне. 1872 год.

Импрессионизм возник во Франции, это понятие ввел Луи Леруа. Импрессионисты которые работали в этом стиле, хотели поймать секундное впечатление от каждого предмета или мгновения, рисовали прямо здесь и сейчас, невзирая на форму и смысл. Картины демонстрировали исключительно позитивные и светлые моменты и мгновения. Но позже на этой почве среди импрессионистов начались разногласия, со временем появились мастера, которые могли впечатляться социальными проблемами, голодом, болезнями. Тем не менее, импрессионизм — добрый и позитивный стиль живописи, который показывает хорошие и яркие моменты.

Годы: 1860 — 1920.
Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега.

Постимпрессионизм

«Автопортрет в серой фетровой шляпе III». Винсент Ван Гог. 1887 год.

Постимпрессионизм вобрал в себя множество различных стилей и техник. Европейские мастера со свежими взглядами на живопись зарождали новые течения и активно пытались отойти от надоевшего тогда импрессионизма и реализма.

Годы: 1880 — 1920.
Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Родерик О’Конор.

Пуантилизм

«Рио Сан Тровазо. Венеция». Анри Эдмон Кросс. 1904 год.

Пуантилизм (point — точка) — Стилистическое направление в живописи, которое является тем же импрессионизмом, только в другой оболочке. Вместо рваных мазков, использовались точечные или прямоугольные формы. Так же, художники отказались от смешивания цветов на палитре, вместо этого, на полотно накладывались чистые цвета и смешивались уже непосредственно на самом полотне не соприкасаясь друг с другом.

Годы: 1885 — 1930.
Анри Эдмон Кросс, Жоржа Сёра, Поль Синьяк.

Модернизм

«Бабочки вблизи». Одилон Редон. 1910 год.

Модернизм — общая характеристика всех жанров и стилей в живописи 1850 — 1950 годов. Включает в себя такие направления в живописи — импрессионизм, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм и многие другие. Существование этих стилей знаменует полный уход изобразительного искусства от академизма. После ухода от академизма, стало практически невозможно уследить за всеми течениями и стилями которые формировались и формуются до сих пор.

Годы: 1850 — 1950.
Сальвадор Дали, Казимир Малевич, Огюст Ренуар и многие другие.

Академизм

Академизм – направление в искусстве, которое следует правилам и обычаям античности и эпохи Возрождения. Академизм стремится навязать четкие устои и грани, исключает фантазию и творческий полет. Вместо этого, упор делается на совершенствование недостатков, «шероховатости» природы — скрывать либо устранять. Улучшать действительность в сторону красивого восприятия — вот суть академизма. Сюжеты зачастую берутся из античной мифологии, так же используются библейские и исторические мотивы.

Годы: 1500 — сегодня.
Карл Брюллов, Уильям Бугро, Фёдор Бруни.

Примитивизм

«В кухне» Эпифаний Дровняк. 1940~ год.

Примитивизм – умышленное упрощение картины до такой степени, чтобы она выглядела так, как будто это работа ребенка. Различные народные рисунки и иллюстрации можно отнести к примитивизму. Только на первый взгляд картины выглядят простыми и нелепыми. Но если приглядеться, то можно увидеть правильные пропорции и соблюдение правил горизонта и композиции. Большинство известных мастеров примитивизма и наивного искусства были большими поклонниками истории своего народа и его культуры. Именно поэтому все их картины насыщенны колоритом той местности, в которой они проживали. Сегодня этот жанр преобразовался в наивное искусство, часто с примесью символизма. Это связано с тем, что современный зритель не готов воспринимать примитивизм в его чистом виде.

Годы: 1900 — сегодня.
Эпифаний Дровняк, Анри Руссо, Нико Пиросманишвили.

Кубизм

«Сидящая женщина в голубом платье». Пабло Пикассо. 1939 год.

Кубизм является направлением модернизма, зачастую используется по отношению к живописи и изобразительному искусству. Мастера разбивали свои сюжеты на геометрические формы, придавая каждому уникальному элементу — свой плотный сектор.

Годы: 1906 — 1925.
Пабло Пикассо, Фернан Леже, Робер Делоне.

Сюрреализм

«Постоянство памяти». Сальвадор Дали. 1931 год.

Сюрреализм — смешивание сна с реальностью. В этом стиле деятели искусств освобождали свои сны наружу, смешивая образы из реальной жизни друг с другом, совмещая несовместимое. Так же, затрагивались личные темы сновидений — страхи, тайные желания, бессознательные фантазии, комплексы. Все то, что человек может видеть в своих снах. Сегодня сюрреалисты копируют внешнюю оболочку, используя только красивые формы, не вселяя в них тот смысл, который был свойственен мастерам прошлого.

Годы: 1920 — сегодня.
Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.

Абстракционизм

«Желто красно голубое». Василий Кандинский. 1925 год.

Абстракционизм — направление в искусстве, где произошел отказ от изображения действительности и правильности форм. Главная цель состоит в том, чтобы изобразить множество разноцветных форм, которые вместе смогут рассказать о сюжете картины. Родиной абстракционизма принято считать Россию и Америку.

Годы: 1910 — сегодня.
Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Экспрессионизм

«Крик». Эдвард Мунк. 1893 год.

Экспрессионизм ставит перед собой одну единственную задачу, передать то, что чувствовал автор картины в момент ее написания. Художники в этом стиле хотят выразить себя и свои чувства, именно поэтому экспрессионизм является антиподом импрессионизма, в котором упор ставится на выражении сугубо внешней оболочки. Экспрессионистам характерна склонность к мистике, пессимизму и унынию.

Годы: 1890 — сегодня.
Эгон Шиле, Карл Ойген Кель, Ежи Хулевич.

Поп-арт

«Зелёные бутылки кока-колы». Энди Уорхол. 1962 год.

Поп-арт — Современный стиль в искусстве, использующий символы массовой культуры и продукты широкого потребления. Манипулировать и комбинировать объекты помогали современные технологии, из-за этого поп-арт часто подвергался критике со стороны сторожил старой школы. Со временем поп-арт поглотил многие направления в живописи.

Годы: 1950 — 1980.
Энди Уорхол, Хокни Дэвид, Роберт Раушенберг.

Минимализм

«Gran Cairo». Фрэнк Стелла. 1962 год.

Минимализм должен сводить к минимуму вмешательство автора в окружающую среду. Минимализм обозначает лишь самые важные моменты. Истоками лежит в конструктивизме, супрематизме, дадаизме. Является очень спорным жанром живописи, в связи с чересчур минималистическими взглядами некоторых авторов этого стиля. Сегодня минималистичиские направления в живописи трансформируются чрезвычайно быстро.

Годы: 1960 — сегодня.
Фрэнк Стелла, Карл Андре, Сол Ле Витт.

Гиперреализм

«Фрукты». Жак Боден. 2016 год.

Гиперреализм появился в связи с популяризацией фотографии, деятелям искусства было интересно посоревноваться с фотографами. Гиперреалисты создают альтернативную реальность, реалистичную иллюзию.

Годы: 1970 — сегодня.
Гноли, Герхард Рихтер, Делкол.

Вот и все направления в живописи

Это все что я могла и хотела сказать на эту тему 😉 На самом деле, направлений в живописи намного больше, и они непредумышленно разрабатываются буквально каждый день. В этой статье я хотела рассказать о самых популярных и влиятельных. Если вам понравился материал, поделитесь им в социальных сетях, давайте развивать искусство вместе. Спасибо всем за поддержку!

Живопись - наиболее распространенный вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность.

В художественных произведениях, создаваемых живописцами, используются рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и композиции. Это позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объемность предметов, их качественное материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду.

Живопись, как всякое искусство, является формой общественного сознания, представляет собой художественно-образное отражение мира. Но, отражая мир, художник одновременно воплощает в произведениях свои мысли и чувства, стремления, эстетические идеалы, дает оценку явлениям жизни, по-своему объясняя их сущность и смысл, выражает свое понимание мира.

Мир живописи богат и сложен, его сокровища накапливались человечеством на протяжении многих тысячелетий. Самые древние произведения живописи обнаружены учеными на стенах пещер, в которых обитали первобытные люди. С поразительной меткостью и остротой изображали первые художники сценки охоты и повадки животных. Так возникло искусство изображения красками на стене, имевшее черты, свойственные монументальной живописи.

Монументальная живопись Различают две главные разновидности монументальной живописи фреску (от итальянского fresco - свежий) и мозаику (от итальянского mosaique, буквально - посвященная музам).

Фреска - это техника живописи красками, разведенными чистой или известковой водой, по свежей сырой штукатурке.

Мозаика – изображение, выполненное из однородных или различных по материалу частиц камня, смальты, керамической плитки, которые закрепляются в слое грунта - извести или цементе.

Фреска и мозаика - основные виды монументального искусства, которые благодаря своей долговечности и стойкости цвета употребляются для украшения архитектурных объемов и плоскостей (стенная роспись, плафоны, панно). Среди русских монументалистов хорошо известны имена А.А. Дейнеки, П.Д. Корина, А.В. Васнецова, Б.А. Тальберга, Д.М. Мерперта, Б.П. Милюкова и др.

Станковая живопись (картина) имеет самостоятельный характер и значение. Широта и полнота охвата реальной жизни сказывается в разнообразии присущих станковой живописи видов и жанров: натюрморт, бытовой, исторический, батальный жанры, пейзаж, портрет.

В отличие от монументальной станковая живопись не связана с плоскостью стены и может свободно экспонироваться. Идейно-художественное значение произведений станкового искусства не изменяется в. зависимости от места, где они находятся, хотя их художественное звучание зависит от условий экспонирования.

Помимо названных видов живописи существуют декорационная - эскизы театральных и кинодекораций и костюмов,- а также миниатюры и иконопись .

Памятником высокого мастерства древнерусской живописи XV в. по праву считается созданный Андреем Рублевым шедевр - икона «Троица», хранящаяся во Всероссийском музейном объединении «Государственная Третьяковская галерея» (ил. 6). Здесь в совершенной, высшей для своего времени форме выражен нравственный идеал гармонии духа с миром и жизнью. Икона наполнена глубоким поэтическим и философским содержанием. Изображение трех ангелов вписано в круг, подчиняющий себе все линии контуров, согласованность которых производит почти музыкальный эффект. Просветленные, чистые тона, особенно васильково-голубой («голубец») и прозрачно-зеленый, сливаются в тонко согласованную гамму. Эти цвета контрастны темно-вишневому одеянию среднего ангела, подчеркивая ведущую роль его фигуры в общей композиции.

Красота русской иконописи, имена Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия, Прохора с Городца, Даниила Черного открылись миру лишь после того, как в XX в. научились расчищать древние иконы от позднейших записей.

К сожалению, бытует упрощенное понимание искусства, когда в произведениях ищут обязательной понятности сюжета, узнаваемости того, что живописец изобразил, с позиций «похоже» или «непохоже». При этом забывают: не во всех видах искусства можно найти прямое сходство того, что изображено на холсте, с картиной знакомой конкретной жизни. При таком подходе трудно оценить достоинства живописи Андрея Рублева. Не говоря уже о таких «неизобразительных» видах творчества, как музыка, архитектура, прикладное и декоративное искусство.

Живопись, как и все другие виды искусства, имеет особый художественный язык, посредством которого художник передает свои идеи и чувства, отражающие действительность. В живописи "очное изображение действительности реализуется через художественный образ, линию и цвет. Несмотря на все свое техническое совершенство, живопись еще не является художественным произведением, если не вызывает сопереживания, эмоций зрителя.

При абсолютно точном исполнении художник лишен возможности проявить свое отношение к изображаемому, если он ставит себе целью передать лишь сходство!

У известных мастеров изображение никогда полностью и точно не передает действительности, а лишь отображает ее с определенной точки зрения. Художник выявляет преимущественно то, что он сознательно или интуитивно считает особенно важным, главным в данном случае. Результатом такого активного отношения к действительности будет не просто точное изображение, а художественный образ действительности , в котором автор, обобщая отдельные детали, подчеркивает самое главное, характерное. Таким образом, в произведении проявляются миропонимание и эстетическая позиция художника.

Натюрморт - одно из самостоятельных жанров живописи. Своеобразие жанра заключается в его больших изобразительных возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов истинный художник может в образной форме отразить существенные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку он выражает свое отношение к действительности, раскрывает свои мысли и чувства.

Для сравнения возьмем натюрморт, принадлежащий кисти выдающегося советского живописца М.С. Сарьяна (1880-1972), «Ереванские цветы» (ил. 7). Свое отношение к цветам мастер выразил в словах, ставших эпиграфом к монографии его творческих работ: «Что может быть красивее цветов, украшающих жизнь человека? ...Увидев цветы, сразу же заражаешься радостным настроением... Чистоту красок, прозрачность и глубину, которые мы видим в цветах, можно видеть только в оперении птиц и плодах»1.

"За кажущейся легкостью и непосредственностью письма стоит большая живописная культура и огромный опыт высокоталантливого художника. Его умение, как бы на одном дыхании написать большую (96x 103 см) картину, сознательно игнорируя детали, типичные для творческой манеры живописца, стремящегося пере-дать главное - безграничное богатство красок природы родной Армении.

Бытовой жанр , или просто «жанр» (от французского слова genre - род, вид) - наиболее распространенный вид станковой картины, в которой художник обращается к изображению жизни в ее повседневных проявлениях.

В русском изобразительном искусстве бытовой жанр занял ведущие позиции в XIX в., когда свой вклад в его развитие внесли 154 выдающиеся представители демократического направления в живописи: В.К. Перов (1833- 1882), К.А. Савицкий (1844- 1905), Н.А. Ярошенко (1846 -1896), В.Е. Маковский (1846- 1920), И.Е. Репин (1844-1930).

Несомненной творческой удачей А.А. Пластова (1893- 1972) считается картина «Весна», в которой художник выразил целомудренное и тонкое чувство преклонения перед материнством. Великолепно смотрится на фоне легкого весеннего снега фигура матери, повязывающей платок на голове ребенка. Много жанровых картин художник посвятил простым жизненным ситуациям односельчан.

Исторический жанр сформировался в русском искусстве во второй половине XIX в. Он по¬мог передовым русским художникам с пристальным вниманием отнестись к прошлому Родины, к острым проблемам тогдашней действительности. Своих вершин русская историческая живопись достигла в 80-90-е годы прошлого столетия в творчестве И.Е. Репина, В.И. Сурикова, В.М. Васнецова, К.П. Брюллова. Известный русский художник П.Д. Корин (1892-1967) создал триптих (композицию из трех отдельных полотен, связанных общей темой) «Александр Невский». Работа создана в суровое время Великой Отечественной войны (1942-1943). В тяжелые годы войны художник обратился к образу великого воителя Древней Руси, показав его нерасторжимую связь с народом, с самой русской землей. Триптих Корина стал одним из самых ярких документов героического периода нашей истории, выразивших веру художника в мужество и стойкость народа, подвергшегося суровым испытаниям.

Батальный жанр (от французского bataille -битва) рассматривается как разновидность исторического жанра. К выдающимся произведениям этого жанра можно отнести картины А.А. Дейнеки «Оборона Петрограда» (1928), «Оборона Севастополя» (1942) и «Сбитый ас» (1943).

Пейзаж часто используется как важное дополнение к бытовым историческим и батальным картинам, но может выступать и как самостоятельный жанр. Произведения пейзажной живописи нам близки и понятны, хотя человек на полотне нередко отсутствует.

Образы природы волнуют всех людей, рождая у них сходные настроения, переживания и раздумья. Кому из нас не близки пейзажи русских живописцев: «Грачи прилетели» А.К. Саврасова , «Оттепель» ФА. Васильева, «Рожь» И.И. Шишкина, «Ночь на Днепре» А.И. Куинджи, «Московский дворик» ВД. Поленова и «Над вечным покоем» И.И. Левитана . Мы невольно начинаем смотреть на мир глазами художников, раскрывших поэтическую красоту природы.

Художники-пейзажисты видели и передавали природу каждый по-своему. Свои излюбленные мотивы были у И.К. Айвазовского (1817-1900), изображавшего различное состояние моря, корабли и людей, борющихся со стихией. Его полотнам присущи тонкая градация светотени, эффекта освещения, эмоциональная приподнятость, тяготение к героике и пафосу.

Замечательны работы в этом жанре советских пейзажистов: СВ. Герасимова (1885-1964) , автора таких полотен, как «Зима» (1939) и «Лед прошел» (1945),

Н.П. Крымова (1884-1958), создателя полотен «Осень» (1918), «Серый день» (1923), «Полдень» (1930), «Перед сумерками» (1935) и др., акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой (1871-1955)-«Павловск» (1921), «Петроград. Марсово поле» (1922), картины A.M. Грицая (род. 1917 г.) «Летний сад» (1955), «Полдень» (1964), «Май. Весеннее тепло» (1970) и др.

Портрет (от франц. portraire - изображать) - образ, изображение какого-либо человека или группы людей, существующих или существовавших в действительности.

Одним из важнейших критериев портретной живописи является сходство изображения с моделью (оригиналом). Возможны различные решения композиции в портрете (погрудныи, поясной, в рост фигуры, групповой). Но при всем разнообразии творческих решений и манер главное качество портретной живописи - не только передача внешнего сходства, но и раскрытие духовной сущности портретируемого, его профессии, социального положения.

В русском искусстве портретная живопись начала свою блестящую историю с начала XVIII столетия. Ф.С. Рокотов (1735-1808), Д.Г. Левицкий (1735-1822), В.А. Боровиковский (1757-1825) к концу XVIII в. достигли уровня высших достижений мирового искусства.

В начале XIX в. русские художники В.А. Тропинин (1776-1857) и О.А. Кипренский (1782-1836) создали широко известные портреты А.С. Пушкина.

Продолжили традиции русского живописного портрета художники-передвижники: В.Г. Перов (1833/34-1882), Н.Н. Ге (1831 - 1894), И.Н. Крамской (1837-1887), И.Е. Репин (1844-1930) и др.

Блестящим примером решения композиций портретов видных деятелей науки и искусства служит серия полотен, созданных художником М.В. Нестеровым (1877-1942) . Мастер как бы застал своих героев в самый напряженный момент работы их творческой, сконцентрированной мысли, духовного поиска (ил. 13). Так решены портреты известных советских скульпторов И.Д. Шадра (1934) и В.И. Мухиной (1940), академика И.П. Павлова (1935) и видного хирурга С.С. Юдина (1935) .

Слово «живопись» произошло от русских слов «живой» и «писать», получается словосочетание «живое письмо». Живопись как означает изображение реального мира, нарисованного при помощи подручных материалов (карандашей, красок, пластилина и др.) на плоских поверхностях. Можно сказать, что проекция реального мира через призму воображения художника - это и

Виды живописи

Данный пестрит разнообразием типов и приемов изображения реальности, которые зависят не только от техники исполнения работы художника и используемых материалов, но и от содержания и смыслового посыла творчества. Для того чтобы передать чувства, эмоции и мысли, художник в первую очередь пользуется правилами игры с цветом и светом: соотношение цветовых оттенков и игры бликов и теней. Благодаря этому секрету картины получаются действительно живыми.

Чтобы добиться такого эффекта, нужно умело пользоваться красочными материалами. Поэтому живопись, виды которой зависят от техники рисования и типов краски, может использовать акварель, масло, темперу, пастель, гуашь, воск, акрил и прочее. Все зависит от желания художника.

В изобразительном искусстве существуют такие основные виды живописи:

1. Монументальная живопись. От самого названия такого типа искусства веет тем, что жить творение будет многие века. Данный вид подразумевает под собой симбиоз архитектуры и изобразительного искусства. Монументальную живопись чаще всего можно увидеть в религиозных храмах: это расписанные стены, своды, арки и потолки. Когда рисунок и само здание становятся одним целым, такие произведения имеют глубокий смысл и несут в себе глобальную культурную ценность. Фрески больше и чаще подпадают под этот вид живописи. Они, как правило, выполняются не только при помощи красок, но и керамической плитки, стекла, цветных камней, ракушечника и т.д.

2. Станковая живопись. Виды подобного изобразительного искусства очень распространены и доступны любому художнику. Чтобы живопись считалась станковой, творцу потребуется холст (мольберт) и рамка под него. Таким образом, картина будет носить независимый характер, и нет разницы, где и в каком архитектурном строении она находится.

3. Виды и формы выражения творчества безграничны, и доказательством может послужить этот тип искусства. существует не одну тысячу лет: это украшения для дома, роспись посуды, создание сувениров, роспись тканей, мебели и пр. Суть творчества заключается в том, чтобы предмет и рисунок на нем стали одним целым. Дурным вкусом считается, когда художник на предмете изображает совершенно неподходящий рисунок.

4. подразумевает под собой изобразительное оформление для театральных спектаклей, а также кино. Этот вид искусства позволяет зрителю более точно понять и принять образ пьесы, спектакля или фильма.

Жанры живописи

В теории искусства немаловажным считается и выделение жанров живописи, каждому из которых присущи свои особенности:

Портрет.

Натюрморт.

Иконопись.

Анимализм.

История.

Это основные которые существуют на протяжении долгих времен в истории искусства. Но прогресс не стоит на месте. С каждым годом список жанров растет и увеличивается. Так, появились абстракция и фэнтези, минимализм и др.

Живопись – одно из древних искусств, которое на протяжении многих веков прошло эволюцию от наскальных росписей палеолита, до новейших течений XX и уже даже XXI века. Это искусство родилось практически с появлением человечества. Древние люди, даже не осознав полностью себя человеком, почувствовали необходимость изображать окружающий мир на поверхности. Они рисовали всё, что видели: животных, природу, охотничьи сцены. Для рисования они использовали что-то похожее на краски, сделанные из натуральных материалов. Это были земляные краски, древесный уголь, чёрная сажа. Кисточки делали из волос животных, либо просто рисовали пальцами.

В результате изменений возникали новые виды и жанры живописи. За древним периодом последовал период Античности. Возникло стремление живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни, таковой, какова она видится человеку. Стремление к точности передачи вызвало зарождение основ перспективы, основ светотеневых построений различных изображений и исследование этого художниками. И они, в первую очередь, изучали то, как можно изобразить объёмное пространство на плоскости стены, во фресковой живописи. Некоторые произведения искусства, такие как объёмное пространство, светотени, стали использовать для украшения помещений, центров религии и погребения.

Следующим важным периодом в прошлом живописи является Средневековье. В это время живопись была более религиозного характера, и мировоззрение стало отражаться на искусстве. Творчество художников было направлено на иконопись и другие мелодии религии. Основными важными моментами, которые должен был подчеркнуть художник, было не столько точное отображение реальности, сколько передача духовности даже в самых различных живописных произведениях. Полотна мастеров того времени поражали своей выразительностью контуров, колоритностью и красочностью. Живопись средневековья кажется нам плоскостной. Все персонажи художников того времени находятся на одной линии. И поэтому многие произведения кажутся нам несколько стилизованными.

Период серого Средневековья сменил более яркий период Ренессанса. Эпоха Возрождения вновь внесла перелом в историческое развитие этого искусства. Новые настроения в обществе, новое мировоззрение стали диктовать художнику: какие же аспекты в живописи раскрывать более полно и ясно. Жанры живописи, такие как портрет и пейзаж, станут независимыми стилями. Художники выражают эмоции человека и его внутренний мир через новые способы живописи. На XVII и XVIII век приходится ещё более серьёзный рост живописи. В этот период католическая церковь теряет свою значимость, и художники в своих произведениях всё чаще отображают истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. В этот период также формируются такие жанры, как – барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возникает романтизм, который позже сменяется более эффектным стилем - импрессионизмом.

В начале ХХ века живопись кардинально меняется и появляется более новое направление современного искусства – абстрактная живопись. Идея этого направления в том, чтобы передать согласие между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий и цветовых бликов. Это искусство не имеющее предметности. Она не преследует точной передачи реального образа, а наоборот – передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого вида искусства являются формы и цвета. Суть её заключается в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам предоставляется полная свобода своих фантазий. Это и дало толчок к зарождению и развитию современных направлений, таких как авангардизм, андеграунд, абстракционизм. С конца ХХ века и по настоящее время живопись постоянно меняется. Но, несмотря на всё новые достижения и современные технологии, художники всё-таки остаются верны классическому искусству – масляной и акварельной живописи, творят свои шедевры при помощи красок и холстов.

Наталия Мартыненко

История изобразительного искусства

История живописи - бесконечная цепочка, начавшаяся с самых первых сделанных картин. Каждый стиль вырастает из стилей, которые были перед ним. Каждый великий художник добавляет что-то к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.

Мы можем наслаждаться живописью за её красоту. Его линии, формы, цвета и состав (расположение частей) могут нравиться нашим чувствам и задерживаться в наших воспоминаниях. Но наслаждение искусством возрастает, когда мы узнаем, когда и почему и как оно было создано.

На историю живописи повлияли многие факторы. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов - все это помогает формировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления об этом. В свою очередь, художники предоставили одни из лучших записей о развитии цивилизации, иногда раскрывая больше, чем письменное слово.

Доисторическая живопись

Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.

Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять - вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники - охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин).

Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.

Египетская и месопотамская живопись (3400–332 до н.э.)

Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое египетское искусство было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах.

Египетские техники изобразительного искусства оставались неизменными на протяжении веков. В одном способе акварельная краска наносилась на глинистые или известняковые поверхности. В другом процессе контуры вырезались на каменных стенах и окрашивались акварельными красителями. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для приклеивания краски к поверхности. К счастью, сухой климат и запечатанные гробницы мешали некоторым из этих акварельных картин разрушаться от сырости. Много охотничьих сцен со стен гробниц в Фивах, датируемых около 1450 г. до н.э., хорошо сохранились. Они показывают, как охотники преследуют птиц или рыбу рыбу. Эти сюжеты всё ещё можно идентифицировать сегодня, потому что они были аккуратно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, которая продолжалась с 3200 по 332 год до нашей эры, была расположена в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Дома в Месопотамии строились, в основном, из глины. Поскольку глина смягчается дождём, их здания рушились в пыль, уничтожая любые настенные картины, которые, возможно, были бы очень интерсными. Что сохранилось, это украшенная керамика (окрашенная и обжигаемая) и красочные мозаики. Хотя мозаики нельзя рассматривать как живопись, они часто оказывают на неё влияние.

Эгейская цивилизация (3000–1100 до н.э.)

Третьей великой ранней культурой была Эгейская цивилизация. Эгейцы жили на островах у берегов Греции и на полуострове Малой Азии примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.

В 1900 году археологи начали выкапывать дворец короля Миноса в Кноссе на острове Крит. Раскопки открыли произведения искусства, написанные около 1500 г. до н.э. в необычно свободном и грациозном стиле того времени. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры, массовые процессии. В Кноссе и других эгейских дворцах картины были выполнены на мокрых гипсовых стенах красками из минеральных веществ, песка и земляных охр. Краска пропиталась влажной штукатуркой и стала постоянной частью стены. Эти картины позже назвали фресками (от итальянского слова «свежие» или «новые»). Критянам нравились яркие жёлтые, красные, синие и зёленые тона.

Греческая и римская классическая живопись (1100 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не много писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.

Окрашенные вазы - это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Самая ранняя вазочная живопись была выполнена в геометрических фигурах и орнаментах (1100-700 до н.э.). Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.

Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.

Римские настенные росписи были найдены главным образом на виллах (загородных домах) в Помпеях и Геркулануме. В 79 году нашей эры эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Почти на каждом доме и вилле в Помпеях на стенах были картины. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.

Ранняя христианская и византийская живопись (300–1300 г.г.)

Римская империя пошла на спад в 4 веке н.э. В то же время набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин официально признал религию и сам принял христианство.

Возникновение христианства сильно повлияло на искусство. Художникам было поручено украсить стены церквей фресками и мозаикой. Они делали панно в церковных часовнях, иллюстрировали и украшали церковные книги. Под влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать об учениях христианства.

Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны. Итальянские художники делали фон кусками позолоченного стекла. Они изображали человеческие фигуры в богатых цветах на фоне сверкающего золота. Общий эффект получался плоским, декоративным и не реалистичным.

Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. «Византийское» - это название, данное стилю искусства, которое развивалось вокруг древнего города Византии (ныне Стамбул, Турция). Мозаичная техника идеально соответствовала византийскому вкусу для великолепно украшенных церквей. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, изготовленные около 547 г. н.э., демонстрируют вкус к богатству. Ювелирные изделия на фигурах блестят, а цветные придворные платья сверкают на фоне блестящего золота. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

Средневековая живопись (500–1400 г.г.)

Первая часть средневековья, примерно с 6 по 11 века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время беспорядков искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варранские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.

Лучшее из кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7 и 8 веков. Книжные иллюстрации, освещение и миниатюрная живопись, практикуемая с позднего римского времени, получила распространение в средние века. Освещение - это украшение текста, заглавных букв и полей. Использовались золотые, серебряные и яркие цвета. Миниатюра - это маленькая картинка, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.

Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской империи в начале IX века, пытался возродить классическое искусство позднего римского и раннехристианского периодов. Во время его правления художники миниатюр подражали классическому искусству, но они также передавали через свои предметы личные чувства.

Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (11-13 вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов - сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона. Цвета блестящие и похожи на драгоценные камни, как в витражном стекле, а золото мерцает над страницей. Изящно тонкие листовые и цветочные конструкции граничат с текстом. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла для выполнения такой сложной детализированной работы.

Италия: Чимабуэ и Джотто

Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240-1302) Пытался модернизировать некоторые из старых византийских методов. Ангелы в «Мадонне на престоле» более активны, чем обычно на картинах того времени. Их жесты и лица показывают немного больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое чувство монументальности или великолепия. Однако, он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.

Это был великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть настоящие эмоции, напряжение и натурализм. Все качества человеческого тепла и симпатии присутствуют. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности.

Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами в 14-м веке. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей. Картины темперой создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский вид, в отличие от глянца масляной живописи. Яичная темпера оставалась главной краской, пока масло почти полностью не заменило её в 16 веке.

Поздняя средневековая живопись к северу от Альп

В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.

Фламандский художник Ян ван Эйк (1370-1414) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. Когда используется темпера, цвета нужно наносить отдельно. Они не могут хорошо затенять друг друга, потому что краска быстро сохнет. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты 1466-1530 г. г. были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение - чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена ​​так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подлеске и для бликов.

Итальянский ренессанс

В то время, когда ван Эйк работал на Севере, итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Итальянские художники были вдохновлены скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, который прославляет человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.

Флоренция

Достижения Джотто в начале 14 века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XVII века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где начиналось искусство эпохи Возрождения. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль. Мазаччо, возможно, учился перспективе у флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377-1414).

Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Она особенно подходила для больших росписей, потому что цвета на фреске сухие и идеально плоские. Изображение можно просматривать под любым углом без бликов или отражений. Также фрески обладают доступностью. Обычно, у художников было несколько помощников. Работы выполнялись по частям, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была ещё влажной.

Полный «трёхмерный» стиль Мазаччо был типичным для нового прогрессивного направления 15-го века. Стиль Фра Анджелико (1400-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» - пример темперы в самом красивовом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.

Ещё одним флорентийцем, который работал в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444-1515). Текучие ритмические линии соединяют участки «Весны» Боттичелли. Фигура Весны, переносимая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют в кругу, развевающиеся складки их платьев и изящные движения их рук выражают ритмы танца.

Леонардо да Винчи (1452-1519) учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски, а не с использованием проверенных и достоверных методов. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Но даже в плохом состоянии (до реставрации) картина обладала способностью возбуждать эмоции у всех, кто это видит.

Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.

Рим

Кульминация ренессансной живописи произошла в 16 веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля (1483-1520) помочь украсить Ватикан. С помощниками Рафаэль расписывал четыре комнаты квартир Папы в Ватиканском дворце.

Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы выполнить эту грандиозную фреску, Микеланджело пришлось ложиться на спину на леса. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, некоторые эксперты считают автопортретом Микеланджело.

Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим для работы в Ватикане, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами, их можно увидеть повсюду. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте. Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас, как и для итальянцев эпохи Рафаэля.

Венеция

Венеция была главным северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, которые знали о фламандских экспериментах с масляной краской. Это стимулировало раннее использование масляной техники в итальянском городе. Венецианцы научились писать картины на плотно вытянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.

Джованни Беллини (1430-1515) был величайшим венецианским художником 15 века. Он также был одним из первых итальянских художников, кто использовал масло на холсте. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), который является самым известным из всех венецианских художников, были учениками в мастерской Беллини.

Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов. Обычно глазури наносили на коричневую темперированную поверхность, что придавало картине единый тон.

Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета. Его техника, которая включает в себя широкие мазки и драматические контрасты света и темноты, кажется очень современной.

Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит, который был оккупирован венецианской армией, Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся.

В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом видении Толедо, шторм бушует над смертельной тишиной города. Холодный блюз, зелень и сине-белые оттенки разносят холод над пейзажем.

Ренессанс во Фландрии и Германии

Золотым веком живописи во Фландрии (ныне частью Бельгии и северной Франции) был 15-й век, время ван Эйка. В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись - сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Иероним Босх (1450-1515), предшествовавший жанровым художникам, имел необычайно яркое воображение. Он придумал всевозможных странных, гротескных существ для «The Temptation of St. Anthony». Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.

Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи. Дюрер как минимум один раз имел визит в Италию, где он был впечатлён картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Благодаря этому опыту он привил немецкой живописи знание перспективы, чувство цвета и света и новое понимание композиции. Гольбейн усвоил ещё больше итальянских достижений. Его чувствительный рисунок и способность выбирать только самые важные детали сделали его мастером-портретистом.

Барочная живопись

XVII век известен в искусстве как период Барокко. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал древнюю скульптуру и работы Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стиль Караваджо восхищал многих художников, особенно испанца Риберу и молодого Веласкеса. Карраччи вдохновил Николу Пуссена (1594-1665), ивестного французского живописца XVII века.

Испания

Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.

Фландрия

Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640 гг.) Представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов yа большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.

Голландия

Достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар - точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета - жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная - были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.

Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур - сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера - это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.

Живопись 18 века

В 18 веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.

Франция: стиль Рококо

Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале 18 века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё - веселье. В основе стиля - пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.

Другие художники 18-го века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.

Англия

В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.

Живопись 19 века

XIX век иногда рассматривается как период, в течение которого начало складываться современное искусство. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время было изобретение камеры, которая заставила художников пересмотреть цель живописи.

Более важным событием стало широкое использование заранее изготовленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощники делали свои собственные краски путём измельчения пигмента. Ранние коммерческие краски уступали ручным краскам. Художники в конце 19-го века обнаружили, что тёмные синие и коричневые тона более ранних картин в течение нескольких лет становились чёрными или серыми. Они снова начали использовать чистые цвета, чтобы сохранить свою работу, а иногда потому, что пытались более точно отражать солнечный свет в уличных сценах.

Испания: Гойя

Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17-го века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но на некоторых их лицах все, что отражается, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как Третье мая 1808 года. На этой картине изображено исполнение группой испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты светлых и темных и мрачных цветов, пронизанные красными брызгами, вызывают мрачный ужас зрелища.

Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись 19-го века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Он использовал контрастные цвета над основным цветом фона. Он часто использовал нож для палитры, чтобы плотно нанести цвет. Картина «Hay Wain» сделала его знаменитым, после показа в Париже в 1824 году. Это простая деревенская сцена сенокоса. Облака дрейфуют над лугами, покрытыми пятнами солнечного света. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы - бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы. Часто золотая дымка частично скрывает объекты в его картинах, заставляя их казаться плавающими в бесконечном пространстве.

Франция

Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве - классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Они подчёркивали детали и использовали цвет для создания твёрдых форм. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода. В своих портретах, таких как мадам Рекамье, он стремился к достижению классической простоты.

Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи и у него не было терпения для имитации классических статуй. Вместо этого он восхищался Рубеном и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.

Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали недалеко от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они черпали вдохновение на природе и заканчивали картины в своих студиях.

Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его - даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. На поверхностях его картин часто есть плоская, узорная текстура мазков. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.

Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Каким бы ни был объект, его картины состоят из сотен крошечных мазков, расположенных рядом друг с другом, часто в контрастных цветах. На расстоянии штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твёрдых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. В его «Танце у Мулен де ла Галетт» люди в ярко окрашенной одежде толпились и весело танцевали. Ренуар написал всю картину мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.

Живопись 20-го века

Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Художники, такие как Пол Сезанн (1839-1906), чувствовали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на форме фруктов или других предметов и их расположении. Объекты его натюрмортов выглядят прочно, потому что он сводил их к простым геометрическим формам. Его техника размещения пятен краски и коротких мазков богатого цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.

Винсент Ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903) отреагировали на реализм импрессионистов. В отличие от импрессионистов, которые говорили, что они объективно рассматривают природу, Ван Гог мало заботился о точности. Он часто искажал объекты, чтобы выразить свои мысли более творчески. Он использовал импрессионистские принципы для помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он сжимал краску с трубок прямо на холст, как в «Поле жёлтой кукурузы».

Гоген не заботился о пятнистом цвете импрессионистов. Он плавно применял цвет в больших плоских областях, которые он отделял друг от друга линиями или тёмными краями. Красочные тропические народы обеспечили большую часть его сюжетов.

Метод Сезанна создания пространства при помощи простых геометрических форм был развит Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) и другими. Их стиль стал известен как Кубизм. Кубисты рисовали объекты так, как будто их можно было увидеть с нескольких углов сразу или, как если бы их разобрали и собрали на плоском холсте. Часто объекты оказывались не похожими на что-либо существующее в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры также варьировались, добавляя к краске песок или другие вещества.

Более поздние тенденции заключались в том, чтобы уделять меньше внимания теме. Больший акцент стали получать композиция и техника изображения.