Реферат: Русская музыкальная культура XIX века I половина XIX века. Музыка россии XIX века

РУССКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА XIX ВЕКА

I ПОЛОВИНА XIX ВЕКА

Исторический фон. Правление Александра I, война с Наполеоном, восстание декабристов и почти 30 лет реакции, Николай I. Таким образом, эпоха общественного подъема сменяется эпохой реакции. Это отражается во всех видах искусства, классические тенденции постепенно сменяются романтическими.

В литературе – сначала Пушкин и его современники: Дельвиг, Жуковский, Языков, Баратынский, поэты-декабристы. В 30-40-е годы – Лермонтов, Гоголь, критические статьи Белинского.

В живописи в недрах классицизма зарождается и расцветает романтизм (Карл Брюллов – «Последний день Помпеи»).

Архитектура и прикладное искусство – поздний классицизм, ампир (империя – эпоха Наполеона).

В музыке первые 20 лет в традициях XVIII века. В эпоху национального подъема всегда усиливается роль оперы. Музыкальный театр этого периода постепенно развивается, и к 20-м годам уже существуют разные жанры:

1) Драма, или трагедия с музыкой (Козловский, Титов, Давыдов).

2) Водевиль (от времен французской революции) – это легкая комедия с куплетами (Алябьев, Варламов, Верстковский).

3) Историческая опера (итальянец Катерино Кавос написал оперу «Иван Сусанин», которая шла до середины 30-х годов).

4) Сказочно-фантастическая опера («Леста – днепровская русалка», Давыдов, Кавос).

5) Балет. В основном с иностранными артистами. Писали Титов, Кавос, Давыдов.

Кульминация 1-й половины XIX века – творчество Глинки, заложившего основы русской музыкальной классики. Золотое соединение этой эпохи – поэзия Пушкина и музыка Глинки.

Последний период (40-е-50-е годы): позднее творчество Глинки. Расцвет творчества Даргомыжского – первая вершина реализма в русской музыке. Глинка и Даргомыжский по-своему выразили романтизм своего времени.

^ Общественная музыкальная жизнь.

1) Это время расцвета частных музыкальных салонов в домах русских аристократов (например, салон Одоевского, который был просвещенным музыкантом и глубоким музыкальным критиком; его салон посещали и выдающиеся европейские музыканты-гастролеры, в т. ч. Лист).

2) Продолжают существовать крепостные оркестры и театры; популярна музыка Моцарта, Гайдна, Россини и т. д.

3) Растет плеяда русских музыкантов-исполнителей.

4) В 1802 году открывается первая концертная организация в России – Филармони-ческое общество. Начинается первый период расцвета РМК, когда завершается формирова-ние русского классического музыкального стиля. Кульминация этого периода – творчество Глинки.

Русский классический музыкальный стиль впитал различные истоки:

1) русский и украинский фольклор;

2) традиции духовного хорового пения;

3) русская городская песня и бытовой романс (очень важно влияние цыганской исполнительской манеры);

4) традиционный интерес к музыкальным культурам других народов: восточных (ориентализм), а также польской и испанской музыки;

5) традиции венской симфонической школы;

6) опыт итальянской оперы.

60-Е-70-Е ГОДЫ XIX ВЕКА

1) Историческая обстановка: Александр II, поражение в крымской войне, критика самодержавия, национальный подъем и отмена крепостного права {1861 г.). Ведущая роль демократически настроенной интеллигенции.

2) ^ Эстетика и философия: преемники Белинского – Чернышевский и Добролюбов; идеи народничества, равенства, коммун. Интерес к русской истории, социальным проблемам, жизни народа.

3) Литература: золотой век – Достоевский, Тургенев, Толстой, Островский, Салтыков-Щедрин, круг журнала «Современник». Расцвет реализма в литературе. Глубокий психоло-гизм и социальная тематика, сатира.

4) ^ Изобразительное искусство: схожий круг тем. Возникает оппозиция Академии художеств – Артель петербургских художников, стоящих на принципах реализма. С 70-х гг. действует «Товарищество передвижных выставок»: Крамской («Незнакомка»), Перов («Тройка», «Охотники на привале»), Репин («Иван Грозный и сын его Иван», «Бурлаки на волге»), Васнецов («Аленушка»,«Богатыри»), Суриков («Боярыня Морозова», «Утро стрелецкой казни»), Саврасов(«Грачи прилетели»), пейзажи Шишкина, Куинджи.

5) Наука: выдающиеся открытия в естествознании. Сеченов, Тимирязев, Менделеев. Музыкальная наука – Стасов, Серов, Кюи, Ларош.

6) ^ Вьдающиеся исполнители: братья Рубинштейны; Г. Венявский, Л. Ауэр – скрипа-чи. К. Ю. Давыдов – дирижер и виолончелист. Э. Ф. Направник – композитор и дирижер. Осип Петров, Ю. Ф. Платонова и др.

7) ^ Общественная музыкальная жизнь: от частных салонов к массовым и демокра-тичным формам. Филармоническое общество. Продолжает работать Придворная певческая капелла. В 1859 году в Петербурге, а через год и в Москве открывается РМО. Основал его Антон Рубинштейн. На базе РМО открываются консерватории: в 1862 году – в Петербурге, в 1866 году – в Москве. Впервые в России музыканты получают высшее профессиональное образование. С другой стороны, Балакирев открывает (с помощью Стасова и Ломакина) бесплатную музыкальную школу для народных масс и проведения концертов. Эти 2 школы находятся в оппозиции (консерватории поддерживаются императором). Балакирев много дирижирует, в том числе в странах восточной Европы, что укрепляет славянские связи. В Россию приезжают крупнейшие музыканты Европы: Шуман, Лист, Вагнер, Берлиоз. Компо-зиторы этого периода с большим интересом изучают РНП, обрабатывают и издают сборники (Балакирев, Римский-Корсаков, Чайковский).

8) ^ Основные музыкальные объединения и крупнейшие композиторы:

Балакиревский кружок (Новая русская музыкальная школа – «Могучая кучка»). В Европе ее называют «Пятерка». Продолжение традиций Глинки и Даргомыжского + интерес к русской истории, фольклору, а также демократические идеи. Основные чле-ны Могучей кучки: Балакирев, Мусоргский, Кюи Римский-Корсаков, Бородин (времен-но примыкали также Гуссаковский, Ладыженский, Щербачев). Стасов – идейный вдох-новитель, выдающийся искусствовед. Он помогал работе кружка, поддерживал мо-лодых композиторов, снабжал их литературными и историческими материалами для работы над операми.

Круг Антона Рубинштейна – РМО, консерватории и профессура. Они стремились приблизить русскую музыку к западно-европейским традициям.

Серов – композитор, публицист, аналитик.

Артистический кружок во главе с Н. Рубинштейном, драматургом Островским, критиком Одоевским + артисты Малого театра. К ним примыкал молодой Чайковский. Он писал музыку к спектаклям «Гроза», «Снегурочка» (Москва).

9) ^ Основные музыкальные жанры: 1. Развиваются песня и романс, углубляется психологизм, усложняется музыкальный язык, большое место занимает социальная тема (Мусоргский). 2. Опера: преобладают 3 основных направления – историческая, лирико-психологическая и комическая. 3. Балет переживает второе рождение в творчестве Чайковского. 4) Симфоническая музыка – «Могучая кучка» развивает народно-жанровый и эпический симфонизм.

«Раек» – музыкальная шутка (1870, слова Мусоргского).

Посвящено Стасову (он подал идею). Жанр – музыкальный памфлет. Галерея пародий.

№1, Заремба – старомодный и консервативный профессор-теоретик, директор Петербургской консерва-тории. Музыка – подражание оратории Генделя «Маккавей»; «moll-тон - грех прародительский, dur-тон - греха искупление».

№2, Ростислав – критик и композитор Феофил Толстой (Мусоргский сократил его имя до «Фиф») Он был слабым критиком, но также был фанатом итальянской оперы. Музыка – пародия на Патон – салонный вальс.

№3, музыкальный критик Фоминцев. С ним Стасов вел полемику в печати (отсюда намек на «неприлич-ное пятно»). Его же Мусоргский изобразил в «классике».

№4, композитор и критик Серов. Здесь Мусоргский цитирует фанфары из его «Рогнеды», намекает на его преклонение перед Вагнером. Серов возмущался в печати, что ему не дают бесплатного места на концертах РМО, что Берлиоз не позвал его не обед, который давал «Могучей кучке», что его не ставят директором РМО.

Затем явление Эвтерпы – намек на великую княгиню Елену Павловну, которая покровительствовала РМО и консерватории, а также поддерживала музыкально критический журнал Серова.

№5, гимн Музе – поют все вместе (№1 – №4) на тему «Дураковой песни» из «Рогнеды». Суть иронии: все надеются на субсидии (прославление Евтерпы не бескорыстно).

Характеристика русской музыкальной культуры
19 века.
Русская музыка 19 в. – это яркая и блистательная эпоха
в развитии музыкальной культуры. Она связана с
формированием национальной композиторской и
исполнительской школы, имеющей мировое значение.
Приобщение к лучшим музыкальным достижения Западной
Европы благотворно сказалось на общем характере её
развития, а самобытность и оригинальность во многом
определяло следование народным традициям.
В 19 в. сложились новые жанры вокальной и
симфонической музыки. Большие успехи были достигнуты
в оперном искусстве. Творчество таких замечательных русских
композиторов, как М.И.Глинка, М.П. Мусоргский,
А.П. Бородин, Н.А.Римский-Корсаков, П.И.Чайковский,
вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Михаил Иванович Глинка – основоположник русской музыкальной классики

заложил основы русского
симфонизма;
положил начало двум
направлениям русской
оперы – народномузыкальной драме и
опере-сказке, оперебылине.
М. И. Глинка за сочинением
оперы «Руслан и Людмила»
И. Е. Репин

Камерно-вокальная музыка. Романсы
«Не искушай»;
«Сомнение»;
«Не пой, красавица, при мне»;
«Я помню чудное мгновенье».
Симфоническая музыка
«Камаринская»;
«Арагонская хота»;
«Ночь в Мадриде»;
Русская национальная опера
«Жизнь за царя» («Иван Сусанин»).
Опера-сказка
«Руслан и Людмила».

«Могучая кучка» 1850г
М.А. Балакирев (1836 – 1910);
Ц.А. Кюи (1835 – 1918);
А.П. Бородин (1833 – 1887);
М.П. Мусорский (1839 – 18810;
Н.А. Римский- Корсаков (1844 -1908).

Организатором и идейным
вдохновителем этого
дружного союза, созданного в
конце 1850 годов, стал
Милий Алексеевич
Балакирев (1836- 1910) –
замечательный пианист и
композитор, сумевший
объединить вокруг себя не
только любителей музыки, но
и талантливых исполнителей
и композиторов.

музыка к трагедии «Король Лир», симфонические поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова, «Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра», «Увертюра н

музыка к трагедии «Король Лир», симфонические
поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова,
«Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра»,
«Увертюра на темы трех русских песен». Для
фортепиано, своего любимого музыкального
инструмента, он создал восточную фантазию
«Исламей», навеянную впечатлениями от
путешествия по Кавказу. Сорок романсов, сонаты,
мазурки, ноктюрны и вальсы, сборники русских
песен являются лучшим достижениями
композитора.

Алексей Порфирьевич Бородин
(1833-1887), будучи крупным ученым
– химиком, отдавал все свое время
научным исследованиям. По его
собственному признанию, сочинять
музыку ему приходилось лишь в
период болезни. Музыкальное
творческое наследие композитора
невелико, но существенен вклад в
развитие русской музыкальной
культуры.
Портрет композитора и
ученого-химика
А.П. Бородина.
Репин И.Е.
Три симфонии 1867, 1876, 1887г;
15 романсов на стихи русских
поэтов;
Единственная опера «Князь
Игорь»

Единственная опера «Князь Игорь», над которой Бородин работал 18 лет, стала одним из самых ярких достижений русского оперного искусства. Ос

Единственная опера «Князь Игорь», над которой Бородин
работал 18 лет, стала одним из самых ярких достижений
русского оперного искусства. Основой для ее создания
послужил выдающийся памятник древнерусской литературы
«Слово о полку Игореве».

Портрет композитора
М.П.Мусоргского. И. Е. Репин.
Необозримо и уникально
творческое наследие Модеста
Петровича Мусоргского (18391881). Его недолгая жизнь была
отмечена яркими
произведениями в области
симфонической и оперной
музыки. Окончив школу
гвардейских прапорщиков, он
отказался от блестящей военной
карьеры и в 1858 г. вышел в
отставку с единственной мыслью
– всецело посвятить себя
музыке.

Симфония «Ночь на Лысой горе»;
Сюита «Картинки с выставки»;
Песни «Калистрат», «Колыбельная Ерёмушки», «Блоха»;
Оперы «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская
ярмарка»

Яркая страница русской
музыкальной культуры 19 века.
Связана с творчеством Николая
Андреевича Римского –
Корсакова (1844-1908). Начало
его музыкальной карьеры было
блистательным. В 1867 г. он
пишет симфоническую картину
«Садко» по мотивам известной
новгородской былины. Через год
композитор пишет
Портрет композитора
Н.А.Римского- Корсакова.
симфоническую картину
Серов Валентин
«Антар» на сюжет арабских
народных сказок.
Позднее, в 1888г., Римский – Корсаков вновь обратился к
восточным мотивам в сюите «Шехеразада» по
средневековым арабским сказкам из известного сборника
«Тысяча и одна ночь»

Оперы «Псковитянка», «Царская невеста», «Сказание о
невидимом граде Китеже и деве Февронии»,
«Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», «Золотой
петушок», «Кащей Бессмертный», «Майская ночь»,
«Ночь пред Рождеством», «Моцарт и Сальери»;
Около 80 романсов («Ненастный день потух», «Не ветер,
вея с высоты».

Музыкальная исповедь души.
Петр Ильич Чайковский.
Н. Д. Кузнецов
Всего 53 года вместила жизнь
выдающегося русского композитора
Петра Ильича Чайковского (1840 –
1893), а в обширном списке
созданных им произведений десять
опер, три балета, девять
программных симфонических
произведений, концерты, квартеты,
музыка к драматическим
спектаклям, более ста романсов и
множество других сочинений.
Чайковскому принадлежат слова:
«Вдохновение – это гостья, которая
не любит посещать ленивых; она
является к тем, которые признают
ее».

Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный стиль, определивший его особе место в истории мировой музыкальной культуры. В о

Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный
стиль, определивший его особе место в истории мировой
музыкальной культуры.
В области симфонической музыки он разработал жанр
программной симфонической поэмы («фантазии», или
«увертюры – фантазии»). Программами для симфонических
«фантазий» служили литературные произведения Данте
«Франческа да Римини», Шекспира «Ромео и Джульетта»,;
«Буря»,; «Гамлет», и Байрона «Манфред».
Значительное место в творчестве Чайковского занимают оперы.
Лучшие оперные произведения композитора – «Евгений Онегин»
и «Пиковая дама».
Цикл пьес «Времена года» свидетельствует об удивительном
музыкально-живописном таланте композитора, сумевшего
создать картины родной русской природы.

Сказочно – романтическим светом озарена
балетная музыка П.И. Чайковского, в которой он выступает не
только как блестящий реформатор, но и как
первооткрыватель.Музыкальный критик Г.А. Ларош писал:«По
музыке «Лебединое озеро» – лучший балет, который я когда –
нибудь слышал….» В 1889 г. Чайковский создаёт музыку к балету
«Спящая красавица» по мотивам сказки французского писателя
Ш. Перро. Спустя несколько лет он пишет музыку к двухактному
балету-феерии «Щелкунчик» .
Большую художественную ценность представляют
романсы Чайковского. «День ли царит...» на слова А. Н. Апухтина,
«То было раннею весной...», «Благословляю вас, леса...» и
«Средь шумного бала...» на слова А. К. Толстого. Хорошо
известны и вариации русских народных песен «Кабы знала я,
кабы ведала...», « Я ли в поле да не травушка была...» Традиции
П. И. Чайковского в музыке в дальнейшем успешно развивали А.
К. Глазунов С. И. Танеев, Н. Г. Рубинштейн и С. В. Рахманинов

Вокальная музыка- когда главенствует голос.
Симфоническая музыка - музыка, предназначенная для
исполнения симфоническим оркестром.
Опера- музыкальное произведение, в котором соединены
слово, сценическое действие и музыка.
Симфонизм – творчество в области сочинения музыки.
Симфония- Большое музыкальное произведение для оркестра.
Камерно-вокальная музыка - музыка, исполняемая небольшим
коллективом музыкантов-инструменталистов и/или
вокалистов.
Увертюра инструментальное вступление к театральному
спектаклю.
Фантазия - импровизационное начало, свободное
развёртывание музыкальной мысли.
Сюита - музыкальное произведение из нескольких
разнохарактерных пьес, объединённых единством замысла.
Пьеса - законченное музыкальное произведение небольшого
размера

1. Как изначально называлась опера
М.Глинки, известная сейчас как «Иван
Сусанин»?
a) «Жизнь за царя»
b) «Умри, но не сдавайся»
c) «Смерть за Отечество».

2. Какой композитор был автором оперы
«Хованщина»?
a) А. Доргамыжский
b) М. Мусорский
c) С. Рахманинов.

3. Как называется творческое содружество
русских композиторов?
a) «Могучая кучка»
b) «Могучее сообщество»
c) «Русские сезоны».

4. Как называется произведение
древнерусской литературы, лежащее в
основе сюжета оперы Бородина «Князь
Игорь»?
а) «Задонщина»
б) «Повесть временных лет»
в) «Слово о полку Игорева»

5. Кто из композиторов является
основоположником русской музыкальной
классики?
а) М. Глинка
б) А. Бородин
в) М. Мусоргский

Ответы теста.

1. Жизнь за царя.
2. М. Мусорский.
3. Могучая кучка.
4. «Слово о полку Игореве».
5. М. Глинка.

В XIX в., наряду с потрясающим развитием литературы, наблюдается и ярчайшие взлеты музыкальной культуры России, причем музыка и литература находятся во взаимодействии, что обогащает тешили иные художественные образы. Если, например, Пушкин в своей поэме «Руслан и Людмила» дал органическое решение идеи национального патриотизма, найдя для ее воплощения соответствующие национальные формы, то М. Глинка обнаружил в волшебно-сказочном героическом сюжете Пушкина новые, потенциальные варианты и осовременил его, как бы предложив еще один романтический вариант эпоса, со свойственным ему «вселенским» масштабом и «рефлектирующими» героями. В своей поэме Пушкин, как известно, свернул масштабы классической эпопеи, порой пародируя ее стиль: «Я не Омер... Он может воспевать один обеды греческих дружин»; Глинка же пошел по иному пути -- при помощи колоссального картинного «разбухания» его опера вырастает изнутри до многонациональной музыкальной эпопеи. Ее герои из патриархальной Руси попадают в мир Востока, их судьбы сплетаются с магией северного мудреца Финна. Здесь пушкинский сюжет переосмысливается в сюжет драмы, опера Глинки -- прекрасный пример воплощения той гармонии равнодействующих сил, которая фиксируется в сознании музыкантов как «руслановское» начало, т.е. романтическое начало.

Значительное влияние на развитие музыкальной культуры России 19 века оказало творчество Гоголя, неразрывно связанное с проблемой народности. Гоголевские сюжеты легли в основу опер «Майская ночь» и «Ночь перед Рождеством» Н. Римского-Корсакова, «Сорочинская ярмарка» М. Мусоргского, «Кузнец Вакула» («Черевички») П. Чайковского и т.д. Римский-Корсаков создал целый «сказочный» мир опер: от «Майской ночи» и «Снегурочки» до «Садко», для которых общим является некий идеальный в своей гармоничности мир. Сюжет «Садко» построен на различных вариантах новгородской былины -- повествованиях о чудесном обогащении гусляра, его странствиях и приключениях. «Снегурочку» Римский-Корсаков определяет как оперу-сказку, назвав «картинкой из Безначальной и Бесконечной Летописи Берендеева царства». Расцвету русской музыкальной культуры способствовало творчество П. Чайковского, написавшего немало прекрасных произведений и внесшего новое в эту область. Так, экспериментальный характер носила его опера «Евгений Онегин», предупредительно названная им не оперой, а «лирическими сценами». Новаторская сущность оперы заключалась в том, что она отразила веяния новой передовой литературы. Для «лаборатории» поисков Чайковского характерно то, что он использует в опере традиционные формы, вносящие в музыкальный спектакль необходимую «дозу» зрелищности. В своем стремлении создать «интимную», но сильную драму Чайковский хотел достичь на сцене иллюзии обыденной жизни с ее повседневными разговорами. Он отказался от эпического тона повествования Пушкина и увел роман от сатиры и иронии в лирическое звучание. Вот почему на первый план в опере выступила лирика внутреннего монолога и внутреннего действия, движения эмоциональных состояния и напряженности.

Первая половина 19 века - время расцвета городской бытовой песни и бытового романса. Их сочиняли – Алябьев, Варламов, Гурилев, позже Глинка и Даргомыжский. Элегические романсы и популярные «русские песни» прочно входили в быт и становились народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева, «Колокольчик» Гурилева.

Эти песни и романсы выражали настроение прежде всего разночинно-дворянской среды. Печальная созерцательность, глубокая интимность высказывания, безысходная грусть, отчаянный порыв к счастью, были типичными настроениям многих людей эпохи 30-40-х гг. прошлого века.

Секрет неугасаемой любви наших соотечественников к лирике этих композиторов скрыт во взаимоисключающих свойствах русского характера, которые запечатлены в его романсах. Душа русского человека вся соткана из противоречий.

19 век в России – век расцвета блестящей дворянской культуры.

Русская композиторская школа начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших в музыке европейскую форму и русский дух.

1.Михаил Иванович ГЛИНКА (1804-1857)

Михаил Иванович Глинка - первый в истории русский композитор мирового значения, основоположник русской музыкальной классики.

Родился в селе Новоспасском Смоленской губернии, в семье помещика. Позже учился в пансионе при Главном педагогическом институте в Петербурге.

Два события определили его мировоззрение. Первое - победоносная воина 1812г. с Наполеоном, в которой русский народ показал и воинскую доблесть, и невиданную силу духа.

Второе событие – восстание декабристов, казнь и ссылка благородных и честных людей России.

Современники и ровесники Глинки - Пушкин, Гоголь, Баратынский, Жуковский, Тютчев. Девятью годами старше - Грибоедов, десятью моложе - Лермонтов.

Композиторскую деятельность Глинка начал с сочинения романсов. Один из самых известных «Не искушай меня без нужды» на слова Баратынского. Позже появятся такие шедевры как «Я помню чудное мгновенье», «Сомнение», «Жаворонок»… ПРИМЕРЫ…

Глинка долгое время искал пути выхода за рамки бытовой музыки.

В начале 1830-х гг. оставил службу в МПС и отправился в многолетнюю поездку по Европе, где учился композиторскому искусству. В Италии Глинке пришла мысль о создании русской национальной оперы, национальной как по сюжету, так и по музыкальному языку.

Сюжет подсказал Жуковский: подвиг крестьянина Ив. Сусанина в смутное время.

В основу оперы положено действительное историческое событие - патриотический подвиг крестьянина села Домнино, близ Костромы, Ивана Осиповича Сусанина, совершенный в начале 1613 года. Москва была тогда уже освобождена от польских интервентов, но отряды захватчиков еще бродили по русской земле. Чтобы помешать полному освобождению России, один из таких отрядов хотел захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича Романова, жившего неподалеку от Костромы. Но Сусанин, которого враги пытались сделать своим проводником, завел захватчиков в глухой лес и погубил их, погибнув при этом сам.

Успех был огромным, опера была принята с восторгом. К М.И.Глинке пришло признание ("Жизнь за царя,1836.) На оперной сцене появился русский герой – крестьянин Иван Сусанин. Его образ собрал лучшие черты национального характера. На следующий день Глинка писал своей матери:

Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актѐры выходили из себя от рвения… государь - император… благодарил меня и долго беседовал со мною…

Вторая опера – большая волшебная "Руслан и Людмила" (1842). В основе лежит одноименная поэма А.С. Пушкина. Работа над оперой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора. Эта опера как драматическое действие не вполне удалась Глинке. Однако музыка многих номеров оперы гениальна, что с лихвой окупают недостатки драматургии.

Танцы из двух опер глинки создали традиции русской классической танцевальной музыки как по духу, так и по художественному совершенству.

Неудачное супружество принесло ему много огорчений и неприятностей, пока не закончилось разводом.

Последний период своей жизни Глинка вновь проводит в путешествиях - Испания, Франция, Польша...Глинка не перестает сочинять. Появляются 2 знаменитые испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». И самое значительное его симфоническое произведение «Камаринская» - увертюра-фантазия на две русские темы. Прекрасны классические романсы Глинки. Самый известный – на стихи Пушкина – «Я помню чудное мгновение».

Умер в Берлине от гриппа. Позже прах перевезли в Россию и похоронили в Александро-Невской Лавре.

Глинка утвердил основной принцип русской композиторской школы–народность и патриотизм.

Композитору принадлежат замечательные слова: «…создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем». Идея понравилась и стала непреложным правилом, которому следовали многие композиторы. Объединенная этой идеей, стала формироваться русская композиторская школа.

Глинка – высочайший профессионал композитор. Любое его произведение привлекает цельностью и стройностью формы, точностью и ясностью музыкального выражения. Его чистая, ясная музыка, которая просто лечит душу.

Музыка Глинки не принадлежит ни классицизму, ни романтизму. Он выработал свой оригинальный стиль, опирающийся на принципы русского художественного реализма пушкинской эпохи.

Он был первым русским композитором, создавшим образ русского человека на оперной сцене.

Глинка стал первым русским композитором-классиком. С его творчеством русская музыка вышла на путь мирового искусства.

Наследие Глинки : оперы «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила»; симфонические увертюры – фантазии Арагонская хота, «Ночь в Мадриде» , «Камаринская», «Вальс-фантазия» и другие; более 70 романсов; камерные инструментальные ансамбли и фортепианные произведения.

Светлый, жизнеутверждающий характер, стройность форм, красота и выразительных мелодий, тонкость гармонии и инструментовки - ценнейшие качества музыки Глинки.

Первым среди русских композиторов Глинка создает свои произведения на основе русской народной музыки . Глинку считают творцом русской национальной школы в музыке. Его творчество оказало влияние на всех русских композиторов первой половины XIX в.

***
Цитата М.И.Глинки: "Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой."

Цитата о М.И.Глинке: "Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии "Камаринская". П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем,с детских лет называя себя «мимозой». Несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.СЛУШАТЬ:

Из оп. «Иван Сусанин». Танцы польские из 2 акта (фрагмерты), Ария Сусанина «Ты взойдешь, моя заря», Хор «Славься»,

Из оп. Руслан и Людмила». 1. Увертюра.2. 3-я песни Баяна. 3.Марш Черномора. 4. Сцена с Головой.

Увертюры Испанские (фрагменты) и Камаринская. Вальс-фантазия.

Романс «Не искушай», «Я помню чудное мгновение».

АЛЕКСАНДР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМЫЖСКИЙ (1813-1869)

Дворянин. Родился в имении своего отца в Тульской губернии. Четырех лет он вместе со всей семьей переезжает в Петербург. Музыкальные способности сказались рано, и его начинают обучать музыке.

В 1834 г. он встретился с Михаилом Глинкой, и это знакомство сыграло решающую роль в его дальнейшей судьбе.

Его творчество связанно с идеями критического реализма в литературе. В историю русской музыки Даргомыжский вошел как один из основоположников реалистического искусства. М. П. Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем правды».

Центральное произведение композитора - опера «Русалка » (по драме А. С. Пушкина), поставлена в 1856 г. Драма социального неравенства любящих друг друга дочери мельника Наташи и Князя привлекла композитора актуальностью темы. «Русалка» - первая русская бытовая лирико - психологическая опера.

Даргомыжский стремился передать психологию через речь человека. Речевая интонация стала главным выразительным средством в его музыке. Это был весьма сомнительный и бесперспективный эксперимент.

Последняя опера Даргомыжского, «Каменный гость », написана на полный текст «маленькой трагедии» Пушкина. В ней нет ни арий, ни ансамблей, ни хора. Это камерная речитативная опера.

Даргомыжский создает новый жанр: сатирический романс. “Червяк” на Курочкина. Сатирическая сцена. Высмеивание чинопочитания. Главное – вокальная партия. Фортепианная партия очень скромная. Смена интонаций – C-dur-As-dur. “Какое счастье”.

“Титулярный советник” на Вейнберга. B-dur. Музыка идет за каждым словом текста. Сквозная форма. 1-й раздел – B-dur, 2-й раздел – пьяный советник.

Многие романсы Даргомыжского представляют из себя по смути драматические сцены. Наиболее яркий пример - “Старый капрал” на Курочкина. Монолог старого капрала, приговоренного к смерти за оскорбление молодого офицера. Состоит из нескольких разделов, в конце каждого из них рефрен. В вокальной партии много речитативности: “В ногу, ребята, раз, два” (рефрен). 2-й куплет – “Я оскорбил офицера”. Каждый куплет более драматический, чем предыдущий. В конце Даргомыжский вводит хор: “В ногу, ребята, раз, два”. Его обычно исполняет фортепиано.

Активное участие Даргомыжский принимал в деятельности созданного в 1859 г. Русского музыкального общества. Его дом, как когда-то дом его родителей, стал местом встреч выдающихся артистов, художников и поэтов того времени. „Могучая кучка” с самого начала своего существования нашла в Даргомыжском своего покровителя.

Во время своего последнего турне по Европе в 1864-1865 гг. Даргомыжский побывал в Лейпциге, Брюсселе, Париже и Лондоне, где занимался постановкой своих опер. Вернувшись в Петербург, он продолжал напряженно работать над созданием оперы „Каменный гость”, закончить которую ему помешала смерть.

В богатом композиторском наследии Даргомыжского есть несколько оркестровых произведений: три симфонии, «Малороссийский казачок», «Чухонская фантазия» (1867). « Баба-Яга, или С Волги nаch Riga» (1862) . Однако наибольшее значение имеет его оперное и вокальное творчество.

Слушать: «Мне грустно» на Лермонтова, «Старый капрал», «Титулярный советник», Ария Мельника из оп. «Русалка».

3. Третий период: музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина 19 века)

В 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни.

Литература была ведущим видом искусства в Росси того времени была, а в музыке главенствовала опера.

Даже симфоническая музыка того времени вступила в законный брак с литературой. Плод этого союза – программная симфоническая музыка. Свои сюжеты она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности. Примером тому служат ………

Главным музыкальным достижением этого периода стало создание русской симфонии, – лирико-драматической у П.И.Чайковского, и эпической у А.П.Бородина.

Появляется и русский классический балет, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается музыкальными симфоническими средствами.

Организовано Русское музыкальное общество (РМО), открыты первые консерватории в Петербурге (1862) и Москве. В деле музыкального просвещения России большую роль сыграли братья Рубинштейн.

Старший Антон Григорьевич (1829-1894) скорее пианист-виртуоз, чем подлинный композитор, хотя написал огромное количество сочинений. В массе своей музыка его лишена самобытности. Это общеевропейский стиль. Его легко спутать, например, с Мендельсоном. Тематизм бледный, он часто впадает в помпезность. Правда, нельзя отказать ему в нескольких подлинных удачах, одна из них – хор «Ноченька» из оперы «Демон». И, разумеется, не вызывает сомнения его композиторская хватка, профессионализм. Кучкисты его не жаловали (особенно Мусоргский), называли Тупинштейном.

ПЕТЕРБУРГСКАЯ КОМПОЗИТОРСКАЯ ШКОЛА. МОГУЧАЯ КУЧКА.

В 60-е годы центром музыкальной жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый Милием Алексеевичем Балакиревым(1837-1910). Кружок вошел в историю как «Могучая кучка». Название дал кружку критик Владимир Васильевич Стасов. Сами себя они называли "новой русской музыкальной школой". За рубежом их называют «русская пятерка».

В кружок вошли начинающие композиторы, не получившие профессионального образования. Балакирев был для них профессором на все случаи жизни: Ц.А.Кюи (1835-1918), А.П.Бородин, М.П. Мусоргский(1839-1881), Н.А. Римский-Корсаков(1844-1908).

Балакирев деспотически учил будущих «кучкистов» писать симфонии, хотя сам умудрился одну свою симфонию писать сорок лет (1856-1897!) Как ни странно, они-таки научились (не все) писать симфоническую музыку, на много голов обойдя своего учителя.

Кучкисты считали себя наследниками Глинки и свою цель видели в развитии русской национальной музыки.

Эстетические позиции «кучкистов» сформировались на почве радикальных народнических идей. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из фольклора, и долг русского композитора - претворить в музыке образа народа, его историю и нравственные идеалы. Вспомним глинкинские «народность и патриотизм».

«Могучая кучка» заложила основы русской национальной музыки и стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать.

Балакирев первым из русских композиторов написал симфоническое произведения на литературный сюжет.

XIX век - эпоха русской оперной классики . Русские композиторы- кучкисты создали шедевры в различных жанрах оперного искусства.

Главные оперы М. П. Мусоргского (1839-1881) «Борис Годунов » (1872) и «Хованщина ». Композитор назвал их «народными музыкальными драмами», так как народ - в центре обоих произведений. Главная идея «Бориса Годунова» (по одноименной трагедии Пушкина) - конфликт: царь - народ. Эта идея была одной из самых важных и острых в пореформенную эпоху. Мусоргский хотел в событиях прошлого Руси выявить аналогию с современностью.

Критик Стасов сказал: «Мусоргский принадлежит к числу людей, которым потомство ставит монументы».

Сюжетом оперы А. П. Бородина (1833-1887) «Князь Игорь» послужило «Слово о полку Игореве». Бородин писал оперу 17лет, но так и не закончил оперу; «Князь Игорь» был завершен Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Н. А. Римский-Корсаков – оперный сказочник. Его лучшие сказочные оперы- «Снегурочка » (1881), «Садко » (1896), «Кащей бессмертный » (1902) и «Золотой петушок » (1907).

Особое место занимает опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии » (1904), написанная по материалам народных преданий о татаро-монгольском нашествии.

Римский – Корсаков - русский музыкальный волшебник и учитель нового поколения русских музыкантов.

2. Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833-1887)

Александр Порфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века. Кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.
Родился в Петербурге. С детства проявилась его любовь и к музыке и естественным наукам. Окончив гимназию, а затем Медико-хирургическую академию, он в течение нескольких лет работает военным врачом и химиком. На медицинском факультете Бородину присваивают звание профессора. В течение всей жизни своей профессией он считал химию, но каждую свободную минуту посвящал музыкальному творчеству.

В историю мировой культуры Бородин вошел прежде всего как композитор. У Бородина было два увлечения - две профессии: химия и музыка.

У Бородина не было профессиональных учителей-музыкантов. Он самостоятельно овладел композиторской техникой. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки.

И мпульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов "Могучая кучка".

Бородин написал оперу „Князь Игорь” (со знаменитыми „половецкими плясками”(1869-1890),) Эта опера - образец национального героического эпоса в музыке. В "Князе Игоре", нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила русского народа, проявляющаяся при защите родины.

А.П.Бородин один из отцов русской симфонической музыки. Написал три симфонии (самая популярная 2-я «Богатырская»), симфоническую поэму «В Средней Азии», два квартета (в один из них входит часто исполняемый «Ноктюрн»), песни и фортепианные произведения.

В музыке «Богатырской» симфонии Бородин достигает яркой красочности, конкретности музыкальных образов. По свидетельству Стасова, он хотел в 1 ч. нарисовать собрание русских богатырей, в Анданте (3 ч.) - фигуру Баяна, в финале - сцену богатырского пира. Название "Богатырская", данное симфонии Стасовым, прочно закрепилось за ней.

Бородин воспринимал жизнь объективно и оптимистически, как источник силы и радости, с верой в могущество человека, в торжество разума и красоты.

Музыка Бородина подобна неторопливой летописи, где чередой предстают события и люди. Основной принцип музыкальной драматургии Бородина - сопоставление контрастных образов. Мелодии льются спокойно и плавно, родственны русским крестьянским песням. Бородин нигде не цитирует народные мелодии, он создает собственные музыкальные образы, используя самые характерные особенности фольклора.

Бородин обладал способностью сочинять в народно-песенном стиле. Тесная связь с русским фольклором - эта наиболее характерная черта всего творчества композиторов „Могучей кучки”.

Бородин создал русскую эпическую симфонию, а также утвердил тип русской эпической оперы.

Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов.

3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839-1881)

Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки".
Родился в Псковской губернии в небогатой помещичьей семье. С детства показал способности к музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным.

Решающим событием в жизни Мусоргского стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Отказавшись по настоятельным советам Балакирева от военной карьеры и поступив на государственную службу, Мусоргский начинает много и напряженно работать как композитор.

Мусоргский был наиболее последовательным выразителем народности и реализма в музыке. В операх «Борис Годунов» и "Хованщина" запечатлел трагедии не только отдельных личностей, но и народа, переживающего Смутное время начала XVII века или ломку старинных устоев при воцарении Петра. Эти оперы являются одними из самых популярных русских опер в мире Эти оперы не имеют себе равных в мировом музыкальном искусстве по силе и глубине воплощения образов, по правдивости и яркости изображения народных масс. Мусоргский первым из композиторов вывел русский народ на оперную сцену.

В опере «Борис Годунов» личная драма Бориса разворачивается на фоне драмы целого народа. Заканчивается сценой народного бунта под Кромами и тяжким пророчеством Юродивого: «Плачь, плачь русская земля, плачь, русский люд.

Мусоргский был музыкант-реалист, музыкант-народник, родственный Гоголю и Льву Толстому.

Он усвоил себе все особенности русской народной песни и хотя редко пользовался подлинными народными мотивами, но весь склад его мелодики, очень гибкой и характерной, носит народный отпечаток, сказывающийся в гармонических оборотах, в оригинальных, внезапных модуляциях, в ритмическом богатстве, и в самой форме. Главную силу вокального стиля М. составляет выразительная декламация, вытекающая из естественной интонации речи и потому совершенно неотделимая от текста. В этом М. - прямой наследник Даргомыжского.

Кроме опер, Мусоргским написана сюита „Картинки с выставки” (лучшее переложение сюиты для оркестра сделал М. Равель в 1922 году), симфоническую картину «Ночь на Лысой Горе», много песен и романсов, среди которых весьма оригинальные для того времени - „Песни и пляски смерти”, хоровые и фортепианные произведения.

Мусоргский стремился к тому, чтобы его музыка в каждом своем элементе носила национальный, чисто русский характер.

В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия. Как человек, он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. В 1859 году М. оставил военную службу, но неимение средств к жизни и невозможность добыть их музыкальной деятельностью привело к нищенскому существованию.

Его опера "Борис Годунов" надолго была снята с репертуара; другие его сочинения долго игнорировались артистами и публикой. В последние полтора года жизни, оставшись без службы, М. зарабатывал аккомпаниаторством.

Угнетающее однообразие повседневной жизни и тяжелые материальные условия привели Мусоргского к алкоголизму. Депрессия непрерывно углублялась.

Умер он в 42 года в одном из военных петербургских госпиталей.

За всю жизнь Мусоргский заработал музыкой 701р. 50коп.

Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной."

Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих

Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840-1893)

В России две столицы и две музыкальные школы. Московскую школу композиторов возглавил П.И.Чайковский. В творчестве Чайковского русский музыкальный романтизм достиг вершины развития.

Пётр Ильич Чайковский, самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство.

Чайковский - первый русский композитор-"профессионал" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. При жизни Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки.

Чайковский был свидетелем подъема и упадка народнического движения в русской культуре. Чайковский был современником композиторов «Могучей кучки».

В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, чем «кучкисты». Русский фольклор не был для него универсальным источником и первоосновой музыкального языка. Музыкальные интонации он в большей степени черпал из городского музыкального быта, чем из крестьянского фольклора.

Родился в г. Воткинске, на Урале, в семье инженера. Музыкой начал серьезно заниматься, как и Бородин, уже будучи взрослым. Закончив юридический факультет в университете, Чайковский проработал несколько лет в Министерстве финансов в Петербурге и лишь тогда решил поступить в Петербургскую консерваторию, которую окончил в 1866 г. с отличием. Тут же ему было предложено место преподавателя гармонии в Консерватории. Он принял это предложение и оставался на профессорской должности в течение 11 лет, не прерывая все это время своей творческой деятельности и выступая на концертах с исполнением своих произведений, вызывавших восторженный прием у всей музыкальной общественности России.

В 37 лет в жизни Чайковского наступает перелом. Графиня фон Мекк, богатая поклонница его таланта, предоставила композитору высокую пожизненную пенсию, дающую ему возможность посвятить все свое время исключительно сочинению музыки. Единственным условием она выставила требование, чтобы лично они никогда не встречались. С этого времени Чайковский полностью посвящает себя музыкальному творчеству, лишь время от времени выступая как дирижер.

Во время своих путешествий по различным странам Европы - Польше, Германии, Австрии, Италии, Швейцарии, Франции, Англии - он изучал музыкальный фольклор каждой из этих стран. Особенно сильное впечатление произвела на Чайковского Италия и итальянская музыка, что нашло отражение и в его произведениях. Вернувшись в Петербург в 1893 г. во время эпидемии холеры, он сам заразился и умер от этой болезни.

Композитор был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком эмоционально неустойчивым; восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто. Будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка.

Музыка Чайковского говорит самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, в котором соединяются традиционные романтические европейские интонации и музыка русского фольклора. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу».

Чайковский - крупнейший симфонист, гениальный музыкальный драматург и лирик. Он создал 15 опер (во главе с написанными на пушкинские сюжеты «Евгением Онегиным» и «Пиковой дамой»), 3 балета (на первом месте «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»), 6 симфоний, 5 симфонических поэм, увертюры, 3 концерта для фортепиано, скрипичный концерт, разнообразные произведения для оркестра.

Чайковский сочинял в стиле позднего романтизма, придавая при этом своим произведениям чисто русский характер. Такое сочетание оказалось исключительно благоприятным. Он вывело русскую музыку на европейские сцены. Чайковский – самый исполняемый в мире русский композитор.

Творчество Чайковского оказало огромное влияние на современников. Его имя уже при жизни ассоциировалось с величайшими представителями русской культуры. Оркестр вставал при его появлении в зале.

Наряду с Глинкой, Чайковский является создателем национальной русской школы в мировой музыке.

Цитата композитора:
"Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать."
"Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве."
"Большой талант требует большого трудолюбия."

Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов

Интересный факт : Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844-1908)

Николай Андреевич Римский-Корсаков - одна из важнейших фигур в истории отечественной музыки.

Родился в Новгородской губернии в дворянской семье, в г. Тихвине. По семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк.

Музыке учился сначала у матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. Позже М.А.Балакирев, организатор "Могучей кучки", ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество.

Профессиональное музыкальное образование получил в Петербургской консерватории по классам фортепиано и композиции. Свою первую симфонию он написал в возрасте девятнадцати лет. Однако, Римский-Корсаков не сразу связал свою судьбу с музыкой. В течение нескольких лет он служил в военно-морском флоте, где получил офицерское звание. В это же время он занимается творческой деятельностью, и в 1871 г. ему присваивают звание профессора инструментовки Петербургской консерватории. Затем ему передают и класс композиции. Одновременно его назначают директором музыкальной школы и музыкальным инспектором военно-морских оркестров России.
Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют 15опер. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник".
Кроме самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина.

Среди композиторов „Могучей кучки” он обладал самой большой творческой изобретательностью и наиболее совершенной техникой. Его самые значительные творческие завоевания лежат в области оркестрового колорита.

Им были написаны такие, получившие мировую известность, оперы, как „Садко”, „Снегурочка”, „Золотой петушок” и др. Кроме того - три симфонии, превосходная симфоническая сюита „Шехерезада”, увертюра „Русская пасха”, „Испанское каприччио”, симфоническая поэма „Садко” (помимо оперы того же названия), многочисленные песни, а также хоровые и камерные произведения. Все его творчество, выдержанное и стиле неоромантизма, глубоко проникнуто „русским духом”.

Римский-Корсаков считается крупнейшим мастером инструментовки. Учебник „Основы оркестровки” является одним из лучших пособий в этой области, а его учебником но гармонии учащиеся пользуются и в наше время.

Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Бескорыстный труд Римского-Корсакова в деле завершения оркестровых и оперных шедевров Мусоргского сыграл решающую роль в их появлении на концертной эстраде и оперной сцене.

Фанатичное упорство в постижении музыкальной науки превратило его в патриарха-деспота.

Римский –Корсаков - «железный Феликс» русской музыки. Убежденный в своей непогрешимости, он ничтоже сумняшеся вставлял «палки в колеса» молодым композиторам, не попадающим в зону его музыкального вкуса. Так, например, он упорно препятствовал проникновению на петербургскую сцену Первой симфонии Калинникова, даже после того, как она с триумфальным успехом была исполнена в таких крупнейших музыкальных центрах Европы, как Берлин, Париж, Вена и Прага.

Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

4. Четвертый период: «серебряный век» в русском музыкальном искусстве (1890-е гг. – 1917)

Конец 19 и начало 20 века для русской музыки протекал в столкновениях антагонистичных тенденций, казавшихся непримиримыми и взаимоисключающими. Тенденции культуры «серебряного века» глубоко изменили облик музыкального искусства. Композиторами-«традиционалистов» серебряного века были А.К.Глазунов (1865-1936), и А.К.Лядов (1855-1914), С.И.Танеев (1856-1915), а также менее известные, но одаренные авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

Молодыми композиторами-новаторами «серебряного века» были символист А.Н.Скрябин, неоклассицист Н.К.Метнер, неоромантик С.В. Рахманинов, неофольклорист И.Ф. Стравинский, кубофутурист С.С. Прокофьев.

Их открытия в области лада, гармонии, формы способствовали становлению новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века.

Существенные изменения происходили и в области русской церковной музыки. Композиторы петербургской и московской композиторских школ использовали подлинные старинные мелодии знаменного распева. Их сочинения предназначались как бля богослужения, так и для концертного исполнения. Новый стиль в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.

Крупнейшими представителями церковной музыки того времени были С.В. Смоленский, С.В.Рахманинов, А.Т.Гречанинов, А.Д.Кастальский и другие. Их называют «школой Синодального училища».

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, музыкальный символист, «идеалист - мистик», одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры.

Самобытное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве на рубеже 20-го века.
Скрябин с детства проявил незаурядные музыкальные способности. Учась в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов.

Художественные искания Скрябина во многом определили поэты-символисты, а также современные ему философские и мистические учения. Творческим девизом стали слова: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи».

Скрябин создавал свой музыкальный мир и не искал опоры в художественном опыте своих предшественников.

Интересовался богоискательством и космической божественной сутью человека. Острое желание постичь гармонию двух миров рождает в его музыке порывы к грандиозному, вселенскому, макроскопическому и одновременно желание углубиться в «микрокосм» человеческой души, в ее подсознательную первооснову. Со Скрябиным в музыку пришла тайна. До него в русской музыке, фактически, не было мистики.

Скрябин – Циолковский в Музыке. Он первым «вышел» в космос.

В своих произведениях он стремился передать мир зыбких и утонченных переживаний человека.

Скрябин был мечтателем-идеалистом. На протяжении всего творческого пути Скрябина привлекала идея синтеза искусств. В «Поэме огня», известной также под названием «Прометей» (1910), в которой он соединил звук и цвет.

Остро ощущая противоречия своего сложного времени, Скрябин мечтал о всемирной гармонии человечества. Его заветной мечтой стал храм в Индии на берегу горного озера для постановки неосуществленного произведения «Мистерии».

«Он не искал – минутно позабавить,

Напевами утешить и пленить;

Мечтал о высшем: Божество прославить

И бездны духа в звуках озарить».

В. Я. Брюсов

Скрябин верил в божественную силу творчества и в художника-творца-мира, ведущем человечество к счастью. Его «Мистерия» - попытка преображения человечества с помощью магии искусства.

Композитор сочинял как бы «на ощупь», через изменчивые, трудноуловимые и не поддающиеся рациональному анализу ощущения. Музыка Скрябина насыщена изощренной ритмикой, внетональными «блужданиями», фактурой, окутанной дымкой гармонических фигураций.

Работал над ней композитор свыше десяти лет. Он понимал, что берется за решение труднейшей задачи, но верил в реализацию великого духовного акта. Начальный вариант воплощения «Мистерии» носит название «Предварительное действо». Это грандиозный соборный спектакль, или Служба, в которой участвует все человечество. Музыка «Предварительного действа» сохранилась лишь в отрывках (40 листов черновых эскизов). Она составляла главный компонент синтетического акта, включающего «симфонию» звуков, ароматов, красок, танцев, шествий, движущейся архитектуры, лучей закатного солнца, ритуальной одежды участников – исполнителей и зрителей.

Храм в Древней Индии, где должна была состояться «Мистерия» был задуман композитором как гигантский алтарь, возвышающийся над Землей. Скрябин всерьез пытался осуществить задуманный проект и даже, по некоторым данным, вел переговоры о покупке земельного участка в Индии для постройки храма. Думая о «Мистерии» композитор говорил: «Я хочу не осуществления чего бы то ни было, а бесконечного подъема творческой деятельности, который будет вызван моим искусством».

К вершинным произведениям Скрябина можно отнести «Поэму экстаза» (1907). Это большое произведение - гимн всепобеждающей мощи человеческого духа. Оно рассказывает о том, как душа человека проходит трудный путь от неясных предчувствий и тревоги к высшей духовной радости, обретая огромную силу и энергию.

Поэма насыщена накаленной атмосферой первой российской революции, предчувствиями грядущих катастроф. Впервые «Поэма экстаза» прозвучала в России в 1909 г. Она имела колоссальный успех. В одиннадцатый раз выпускнику Московской консерватории была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Скрябина не замечал людских тревог, волнений и мирской суеты. Композитор создал особый мир музыкальной выразительности, опередив свое время, предвосхитив многие инновации искусства 20 века.

Дальнейшая судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови. На смерть Скрябина откликнулись многие современники, в том числе и известный поэт В. Я. Брюсов:

Металл мелодий он посмел расплавить

И в формы новые хотел излить;

Он неустанно жаждал жить и жить,

Чтоб завершенным памятник поставить...

Скрябин - автор девятнадцати фортепианных поэм, трех симфоний, концерта для фортепиано с оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсов и этюдов. В каждом произведении сказались непревзойденный талант и мастерство композитора.

К счастью, словам поэта было суждено сбыться: Скрябин был и остается «звездой первой величины» в мировой музыкальной культуре.

Судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

7. Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943)

Не меньшую известность приобрело творчество Сергея Васильевича Рахманинова (1873-1943), также выпускника Московской консерватории, закончившего ее с золотой медалью. В отличие от символиста Скрябина, Рахманинов и в ХХ веке оставался самым русским композитором романтиком мирового значения. Ему удалось объединить музыкальные традиции Московской и Петербургской композиторских школ.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая «Колокольная» Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко".

В двадцать лет в концертных залах ему рукоплескала восторженная публика. Его поклонниками были Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, многие поэты Серебряного века. Но жизнь Рахманинова не представляется спокойной и безмятежной: он знал не только взлеты, но и падения.

Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют.

Особую известность Рахманинову принесли фортепианные сочинения. Наиболее известным сочинением является Второй фортепианный концерт (1901), в котором раскрылись лучшие черты его композиторского таланта. Произведение «необычайной, удивительной красоты» (С. С. Прокофьев). За это произведение Рахманинову в 1904 г. была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Новый стиль его музыки органически объединял русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм.

В 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт.

Многогранный талант Рахманинова проявился во многих музыкальных жанрах. Им созданы две оперы («Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини»), вокально-симфоническая поэма «Колокола» (1913), сонаты, экспромты, прелюдии. Он сочинял и духовную музыку, восходящую к древнерусским знаменным распевам («Литургия Иоанна Златоуста», 1909, и «Всенощное бдение», 1915).

Рахманинов стал свидетелем двух мировых войн и двух российских революций. Он восторженно приветствовал крушение царского режима, но не принял октябрьский переворот.

В конце 1917 года Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса.

Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Все 25 лет эмиграции он живо интересовался тем, что происходило на Родине. В годы Великой Отечественной войны композитор не раз перечислял средства от своих концертов на поддержку Красной Армии. Сегодня произведения Рахманинова звучат во многих концертных залах нашей страны, неоднократно в его честь проводились музыкальные конкурсы и фестивали.

Умер С.В.Рахманинов в Беверли-Хилс от рака позвоночника.
Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский
Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."
Музыковед Б.Асафьев назвал С.Рахманинова «человеком с навек раненным сердцем».
Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Калинников Василий Сергеевич (1866-1901). Наверное, самый непродуктивный композитор в мире. За свою недолгую жизнь он успел написать две симфонии, еще 4 небольшие оркестровые произведения, 8 романсов и 4 миниатюры для фортепиано. Это фактически все, не считая нескольких неоконченных или неизданных сочинений. Тем не менее, ему удалось «прорваться» на музыкальный Олимп благодаря своей Первой симфонии, которая приобрела популярность во всем мире. В этом «повинен», прежде всего, мелодический дар композитора, нашедший отклик в сердцах любителей музыки всех континентов. Строже говоря, счастливая мелодическая находка, - побочная партия первой части, вероятно, сыграла здесь решающую роль. Сей факт заставляет вспомнить крылатую фразу Стравинского: «Мелодия наиболее доступна для восприятия и наименее доступна как дар», кажется, так. Композитора сразила злая чахотка, но жестокая болезнь никак не отразилась на его музыке, почти всегда бодрой и жизнерадостной.

8. Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)
Игорь Федорович Стравинский (1882–1971) вошел в историю мировой музыкальной культуры как смелый новатор, один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма, пролагающий собственные пути в искусстве.

Путь Стравинского в музыке - от романтизма и импрессионизма к неоклассицизму, додекафонии, музыке авангарда.

В последние годы жизни он живо интересовался искусством джаза и достижениями в области электронной музыки.

Игорь Фёдорович Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи ХХ века, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Встреча с С. П. Дягилевым в 1909 г. во многом определила дальнейшую личную и творческую судьбу композитора.

Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины. Стравинский обратился к праистокам и взял за основу национальной русской музыки в ХХ веке языческую, древнюю Русь.

Премьера балета «Жар-птица» на сцене парижской «Гранд-опера» в 1910 г. положила начало мировой славы Стравинского. Музыка поражала пышностью оркестровых звучаний, необычностью ритмов, обилием сказочной символики. Наиболее известный номер из балета - «Поганый пляс Кащеева царства» – гротескный образ зла и насилия.

Через год – новый балет «Петрушка». Главное внимание Стравинский сосредоточил на глубокой психологической драме любимого народного героя Петрушки, безнадежно влюбленного в глупенькую Балерину, отдающую предпочтение самодовольному Арапу. О страданиях главного героя, доброго, озорного и никогда не унывающего, Стравинский гениально рассказал языком музыки.

Особенно поражала финальная сцена прощания Петрушки с жизнью. Удивительной находкой композитора стал отрывистый «всхлип», «выдых» флейт и странный звук от брошенного на пол бубна. Еще недавно безудержно плясавшая толпа застывает перед умирающим. В трагический момент отлета души Петрушки в лучший мир звучит изумительная музыка, передающая трепет уходящей жизни. Отзвуки масленичного балагана и пронзительная фанфара ожившего Петрушки завершают действие.

Соавторами Стравинского в этой работе выступили балетмейстер М. М. Фокин (1880-1942) и либреттист, художник А. Н. Бенуа. Главные роли исполняли Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. Балет «Петрушка» стал ярким событием Русских сезонов С. П. Дягилева.

Премьера третьего, не менее знаменитого балета Стравинского «Весна священная» (1913) вызвала в Париже неслыханный скандал. Позднее автор вспоминал:

«Когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами... разразилась буря. Позади меня раздавались крики «Заткни глотку!..» Я в ярости покинул зал».

Изнеженное ухо слушателей, привыкшее к сладким и томным звукам, услышало чуждую языческую стихию. Не случайно балет имел подзаголовок «Картины языческой Руси». Стравинский пытался воссоздать в музыке первозданную суровость обычаев языческих племен, возглавляемых Старейшим-Мудрейшим. Напряженные диссонансы, сложные ритмы и неожиданные контрасты призваны были передать магическую силу заклинаний природы, весенних гаданий, древнейший обряд Поцелуя земли, величание Избранной. Движения и жесты актеров, отказавшихся от приемов классического балета, были тяжелыми и угловатыми.

Спустя несколько лет «Весна священная», исполненная как симфоническое произведение, вызвала бурные овации слушателей и стала мировым хитом в современной музыке.

В 1914 Стравинский окончательно покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были непродолжительные гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США.

Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее сочинение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе».

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного..». Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
«Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...»

9. АЛЕКСАНДР КОНСТАНТИНОВИЧ ГЛАЗУНОВ
(1865-1936)

Сын петербургского книгоиздателя. С самого раннего детства он брал уроки фортепианной игры, а потом поступил в консерваторию в класс композиции, которым руководил Римский-Корсаков.

Шестнадцати лет Глазунов написал первую симфонию. Особенно большую помощь оказывает ему музыкальный издатель Беляев, занявшийся организацией концертов, на которых исполнялись произведения молодого композитора. Во многом помогли ему и дружеские отношения с „Могучей кучкой” и П.И.Чайковским.

С 1884 г. произведения Глазунова получают признание не только в России, но и за границей. В 1899 г. он принимает должность профессора инструментовки в Петербургской консерватории.

В 1905 г., в знак протеста против снятия Римского-Корсакова, Глазунов отказался от этой должности.

В 1907 г. композитору присваивается почетное звание доктора Кембриджского и Оксфордского университетов.

После Октябрьской революции Глазунов одновременно с творческой работой занялся широкой организаторской и популяризаторской деятельностью. До 1928 г. он занимал пост директора Ленинградской консерватории. В 1929 г. композитор предпринял гастрольную поездку по Европе и Северной Америке, побывал он и в Польше.

Умер Глазунов в 1936 г. в Париже, куда он выехал на лечение.

Творческое наследие Глазунова состоит из восьми симфонических поэм, балетов (в том числе «Раймонда», «Времена года»), увертюр, скрипичных концертов, фортепианных концертов, многочисленных симфонических, камерных, фортепианных и вокальных произведений.

Для его музыки характерны необычайная мелодичность, классическая ясность формы, черты национального „русского духа”. По органическому сочетанию в ней чисто русских и западноевропейских элементов, она близка музыке Чайковского и Римского-Корсакова. Глазунова не соблазняли модные новаторские направления. Он прежде всего ставил перед собой задачу создания произведений высокого художественного уровня. И именно эта черта его творчества выдвигает Глазунова в первые ряды русских композиторов.

В 20-м веке на русскую, советскую и позже российскую музыку повлияли лва очень важных глобальных фактора:

Взаимное проникновение и смешение культур разных народов, так сказать, "культурная глобализация"

Появление нового музыкального языка, придуманного австрийским композитором Шёнбергом (1874-1951) - додекафонии.

Принцип, заложенный в этом языке (нельзя повторять ноту, пока не будут сыграны остальные одиннадцать) давал, с одной стороны, возможность создать совершенно уникальную мелодию (не повторенную никаким другим композитором), но с другой стороны, вел к обезличивании мелодии, потери какой-либо "узнаваемости" и связи с национальной музыкой.

10. Сергей Сергеевич ПРОКОФЬЕВ (1891-1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области в семье агронома. С детства приобщился к музыке. Прокофьев - единственный из русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композицией, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию.

Среди его учителей был Н.А. Римский- Корсаков. Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля.

Однако парадокс заключался в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма.

Заканчивая в 1914 г. Петербургскую консерваторию, он решил сыграть перед экзаменационной комиссией свой собственный Первый концерт. Музыка захватила слушателей, и Прокофьев получил диплом с отличием и премию имени А. Г. Рубинштейна (великолепный рояль в подарок).

С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году. За границей он сочинил оперу-балет „Любовь к трем апельсинам”.

Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Со временем ему удалось найти общий язык с новыми слушателями, выработать в своем творчестве новые музыкальные формы, соответствующие эстетическим вкусам нового общества. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы.

Несмотря на явно выраженное стремление совместить музыку с идеологией советского государства, Прокофьев, лауреат шести Сталинских премий, всегда оставался самим собой, человеком твердого и независимого характера.

В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события:

1. по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка;

2. вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки;

3. произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.

Эпохальными сочинениями в истории советской музыки стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", "Сказ о каменном цветке", с фантастическими музыкальными переходами. ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы. Однако большинство помнят только его музыкальную сказку "Петя и волк".

Прокофьев скончался в 1953 г. в Москве, в один день со Сталиным.
Сергей Прокофьев писал странную, не похожую на другие, музыку. Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире. Это Бетховен наших дней. Его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это летописи тяжёлых событий 20-го века, трагедией человека и человечества.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром.

Написанная девятнадцатилетним выпускником Ленинградской консерватории Первая симфония (1926) поразила слушателей оптимизмом и свежестью звучания. Стало ясно, что в России появился композитор мирового значения. Симфония сразу же вошла в репертуар отечественных и зарубежных дирижеров.

Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.
Дмитрий Шостакович жил в сложное время - когда менялась власть, менялись нравы, отношение к его произведениям тоже менялось. Например, сегодня произведение встречали на ура - а завтра освистывали.

До постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях тоталитарного государства.

В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах его 15 симфоний занимают центральное место. Самыми драматическими являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки.

За полувековой период творчества Шостакович создавал произведения почти во всех музыкальных жанрах: 15 симфоний, 15 квартетов, две оперы («Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда»), три балета («Золотой век», «Болт» и «Светлый ручей»), шесть инструментальных концертов, циклы романсов, сборники фортепианных прелюдий и фуг, кантаты, оратория («Песнь о лесах»).

Особое место в творчестве композитора занимала музыка к кинофильмам и драматическим спектаклям. Еще в послереволюционном Петрограде Шостакович работал тапером в маленьких кинозалах, импровизируя на фортепиано во время демонстрации немых кинолент. Когда с 1928 г. начинается эра киномузыки, он с удовольствием приходит в кинематограф, где создает ряд блестящих музыкальных произведений к фильмам «Трилогия о Максиме», «Иван Мичурин», «Встреча на Эльбе», «Молодая гвардия», «Падение Берлина», «Овод», «Гамлет», «Кор

Федеральное агентство по образованию

Уфимская государственная академия экономики и сервиса

Кафедра Туризма и гостеприимства

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «Мировая культура и искусство»

на тему: Русская музыкальная культура XIX века и ее мировое значение

выполнила: студентка гр. СД-21

Михайлова И.В.

проверила: к.и.н., доцент

Котова Т.П.

Введение

Исторический фон

Развитие песенной культуры России в XIX веке

Русская композиторская школа

·Михаил Иванович Глинка

·Александр Сергеевич Даргомыжский

·«Могучая кучка»

·Гениальный Петр Ильич Чайковский

Заключение

Список литературы

Приложения

Введение

Без музыки жизнь была бы ошибкой. (Фридрих Ницше)

Музыка - это разум, воплощенный в прекрасных звуках. (Иван Сергеевич Тургенев)

Музыка - посредница между жизнью ума и жизнью чувств. (Людвиг ван Бетховен)

Русское слово «музыка» - греческого происхождения. Музыка из всех видов искусств наиболее непосредственно воздействует на восприятие человека, «заражает эмоциями». Язык души, так принято говорить о музыке именно потому, что она обладает сильным воздействием на подсознательном уровне на область чувств человека, но нельзя исключить при этом и воздействия на область разума. Дать исчерпывающе точное определение явлению (или субстанции), называемому «музыка» невозможно.

Неизмеримо богатство русской музыки. На протяжении свыше десяти столетий складывались и развивались ее традиции в тесном соприкосновении с музыкальной культурой других стран и в постоянном взаимодействии с другими видами художественного творчества.

Русская музыка - важнейшая часть русской культуры. Подобно русской литературе, поэзии, живописи, театру, она ярко отражает все этапы общественной жизни, становление русской философской и эстетической мысли. В ее многообразных жанрах и формах нашли свое воплощение история народа, его освободительная борьба, характер русского человека, своеобразие русской природы и быта.

В своей курсовой работе я решила показать музыкальное развитие России XIX века, которое происходило на фоне важнейших исторических событий - Отечественная война, восстание декабристов, отмена крепостного права и т.д.

Задача работы - проанализировать состояние музыкальной культуры России XIX века, выявить ее особенности, рассказать о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявить значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

В своей курсовой работе будут задействованы такие методы исследования как изучение и анализ литературы и документов, обобщение, анализ продуктов деятельности, описание.

При изучении данной темы я буду использовать литературу: Энциклопедия «Кругосвет», Русская музыкальная литература Э.Смирновой, Никитина Л.Д. История русской музыки и др.

Исторический фон

музыкальная песенная культура композитор

XIX век в России связан с крупнейшими политическими и социальными изменениями, и большую роль в этом играла война 1812 года и отмена крепостного права. В литературе, поэзии, музыке, живописи ярко обострилась тема социального неравенства.

Уже в первой половине XIX века русская культура достигает блестящего, ослепительно яркого расцвета. Освобождаясь от элементов подражательности, она находит оригинальные и самобытные формы выражения для разнообразнейшего, широчайшего по охвату содержания и создает великие непреходящие ценности общечеловеческого значения. Творчество таких ее гениальных представителей, как Пушкин, Лермонтов, Гоголь в литературе, Глинка в музыке составляет одну из высочайших вершин не только русского, но и мирового искусства.

Сильный толчок подъему общественной инициативы дала Отечественная война 1812 г. Патриотизм русских людей проявляется в возрастающей тревоге об общенародном благе, в широком осознании единых интересов нации, в стремлении поднять уровень национальной культуры и благосостояния.

Значительное влияние на развитие русской культуры XIX века оказало восстание декабристов. Все эмоции, мысли, переживания нашли отражение во многих музыкальных произведениях того времени. Эпоха декабристов положила начало развитию революционной песни в России. Большие заслуги в этом отношении принадлежат деятелям декабристского движения - Рылееву и Бестужеву. Традиции революционной песни, заложенные поэтами-декабристами, были подхвачены и развиты их современниками. Темы свободолюбия и протеста, борьбы против социального гнета глубоко проникли и в бытовую песню.

По мере роста и распространения освободительных идей, усиливалось и противодействие, оказываемое им правительством. Уже во вторую половину царствования Александра I определяется этот реакционный курс, выражающийся в разгромах университетов, усилении цензуры. Длительная полоса небывало жестокой, глухой и беспощадной реакции воцаряется в русской жизни после подавления декабристского восстания, вместе с восшествием на престол Николая I. Существование демократической публицистики, а тем более политических организаций, ведущих практическую революционную деятельность, было невозможно в России.

В этих условиях особенно большое значение приобретает литература, произведения Пушкина, Гоголя, Лермонтова становятся основным рупором освободительной мысли.

Все сказанное создает предпосылки для образования классических школ русской национальной литературы и искусства.

В развитии русской музыки Глинка сыграл роль, во многом аналогичную той, которая принадлежит Пушкину в развитии русской литературы. Как и Пушкин, Глинка широчайшим образом воспринял и претворил различные элементы современной ему художественной культуры. Усваивая все ценное и жизнеспособное из наследия своих предшественников, Глинка преодолевает их ограниченность и достигает огромного богатства, полноты содержания и совершенства художественного воплощения. По своей внутренней уравновешенности, идеальной гармонической цельности и законченности творчество Глинки оказалось для последующих поколений таким же неоспоримым образцом и классической нормой, как и пушкинская поэзия. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию. По пути Глинки идет в своем творчестве Даргомыжский. Он вносит в русскую музыку элементы большей социальной остроты, бытовой и психологической характеристичности, сатиры и юмора, подготавливая многое из того, что получит ясное оформление в творчестве молодой национальной школы 60-х годов. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию.

Сообщения о русской музыке начинают все чаще появляться с этого времени в иностранной печати. За несколько месяцев до появления статей Берлиоза о Глинке известный французский музыковед Фетис писал о молодом еще Даргомыжском, как об оригинальном многообещающем музыкальном даровании России.

Исторический период 60-80 гг. 19 века принято называть пореформенным - в 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Развитие песенной культуры России в XIX веке

«Век был песен» - так сказал об эпохе Просвещения поэт Г.Р. Державин. Облик песенной культуры того времени был необычайно многообразен и даже многоязычен. В быту причудливо переплелись песни российские и французские, цыганские и немецкие, крестьянские и городские, любительские и профессиональные. Песня звучала со страниц литературных произведений и публиковалась в специальных сборниках «в удовольствие многих любителей», исполнялась в домах аристократов.

В XIX в. огромное внимание продолжили уделять изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.

Возникают некоторые новые жанры, старые формы (обиходные песни, песни на тему скитаний, сатирические песни) эволюционируют под влиянием нового жизненного содержания, меняется характер образов и интонационно-выразительных средств. Бытовая народная песня откликается на крупные политические и социальные события общенационального значения.

Широкое отражение получает в ней Отечественная война 1812 г. До нас дошел целый цикл песен о двенадцатом годе, связанных с устной фольклорной традицией. По своему содержанию и музыкально-поэтическим формам они очень разнообразны. Иногда в них используются приемы старых традиционных видов народно-песенного творчества.

Отечественная война вызвала также появление выразительных лирических

песен, в которых запечатлены глубокая народная скорбь, печаль и горе, вызывавшиеся тяжкими бедствиями отчизны, опустошением родного края, утратой близких.

Русская народная песня стала пользоваться исключительно широкой популярностью, распространяясь во множестве различных обработок - для хора, голоса с сопровождением и отдельных инструментов. С 1806 по 1815 года сборник Прача выходит вторым и третьим изданием. На его основе создавались песенные сборники общедоступного типа.

Широко известен был своими обработками народных песен талантливый русский музыкант, вышедший из крепостных крестьян, Данила Кашин. В 1833-1834 гг. вышел в свет его сборник «Русские народные песни» в трех частях. Для своего времени он является столь же характерным, как «Собрание» Прача для рубежа XVIII и XIX столетий. В начале 40-х годов появилось второе издание кашинского сборника, что свидетельствовало о его популярности и большом спросе на него. В приемах обработки Кашина ясно заметно стремление к подчеркнутой чувствительности, иногда несколько надрывного характера.

По одинаковому с Кашиным пути взаимопроникновения народно-песенных и городских романсных интонаций шел другой известный собиратель песен, по происхождению крепостной крестьянин, Иван Рупин, являвшийся также талантливым певцом-исполнителем (фамилия его произносилась современниками с итальянским окончанием - Рупини) и составителем популярного песенного сборника, изданного в 1831 г.

Рядом с различными бытовыми преломлениями русской народной песни развивается лирический сентиментальный романс, пользовавшийся также исключительно широкой популярностью в самых разнообразных слоях общества. Как и «российская песня» XVIII века, русский романс в преобладающей своей части был связан со сферой домашнего музицирования В музыкальном языке бытового романса простота средств сочетается с искренней непосредственностью и душевностью выражения. Важную роль в развитии русского романса XIX века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский (см. приложение 1).

Александр Александрович Алябьев (1787-1851) родился в старинной дворянской семье. В молодости он служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812г. Впоследствии оставил военную службу и посвятил себя творческой деятельности. Алябьев - автор известных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи Александра Сергеевича Пушкина), «Соловей»и других. «Соловей » - одна из любимых и наиболее распространенных песен Алябьева. Всё в ней скромно и просто. Песне предшествует оживленное фортепианное вступление в духе гитарного наигрыша. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно мягкая, задумчивая мелодия. Широкая и плавно закругленная, она сразу же захватывает и покоряет своей строгой красотой.

Композитор Александр Егорович Варламов (1801-1848) - автор популярных романсов. Всего он создал около двухсот произведений этого жанра, преимущественно на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов был известен также как певец, гитарист, дирижёр и педагог. Он написал одно из первых русских учебных пособий для вокалистов - «Полная школа пения» (1840 г.).

Александр Львович Гурилёв (1803-1858) был сыном крепостного музыканта (в 1831 г. он вместе с отцом получил вольную). Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв прославился как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.

Творчество Алябьева, Варламова и Гурилева - ценный вклад в сокровищницу русской музыки. Лучшие их песни и романсы входят в концертный репертуар певцов и хоров, они с любовью поются в народе и в наше время.

Русская композиторская школа XIX века

Михаил Иванович Глинка

Без сомнения самым ярким представителем композиторской школы первой половины XIX века является Михаил Иванович Глинка (1804-1857). Творчество Михаила Ивановича Глинки стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы, отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку. Детские впечатления Глинки отразились на его творчестве. Первые годы жизни прошли в имении отца среди деревенской природы Смоленского края. Там он узнал и полюбил народные песни, заслушивался ими. Во впечатлительную детскую душу маленького Глинки глубоко запали сказки крепостной няни Авдотьи Ивановны, нежно и преданно любившей его.

Огромное впечатление произвели на Глинку события 1812 года. Спасаясь от нашествия наполеоновской армии, семья Глинки покинула имение. Много рассказов о героизме партизан услышал мальчик и навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силе и душевной красоте.

В домашнем быту у родных Глинки часто звучала музыка. У дяди, жившего неподалеку, был хороший оркестр, состоявший из крепостных музыкантов. Музыка производила на мальчика потрясающее впечатление, после концертов он ходил рассеянный. «Музыка - душа моя» - сказал он однажды. Крепостной оркестр дяди исполнял разные произведения, были среди них и народные песни. Вспоминая свои детские впечатления, Глинка писал: «...Может быть, эти песни, слышанные мною в ребячестве, были первою причиной того, что впоследствии я стал разрабатывать преимущественно русскую народную музыку».

Композиторское мастерство Глинки ярче всего проявилось в двух операх - «Жизнь за царя » («Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила ». Он создал образцы национальной русской оперы - героико-эпическую оперу и оперу-сказку. Последующее развитие этих жанров связано с теми принципами, которые заложил Глинка.

Опера «Жизнь за царя» (в СССР в 30-80 х гг. было принято название «Иван Сусанин»; 1836 г.) написана на историко-патриотический сюжет. Композитор обратился к событиям начала XVII в. - борьбе русского народа против польских завоевателей. Сюжет произведения - подвиг Ивана Сусанина - предложил Глинке поэт Василий Андреевич Жуковский.

«Жизнь за царя» - первая русская опера без разговорных диалогов; она основана на непрерывном музыкальном развитии. Музыкальную ткань сочинения пронизывают хоровые сцены. В частности, они открывают (хор «Родина моя») и завершают произведение (заключительный ликующий победный хор «Славься»).

В центре оперы - образ русского крестьянина Ивана Сусанина. Композитор подчёркивает нравственную силу героя. Для его музыкальной характеристики использованы интонации народных мелодий. Антонида, дочь Сусанина, - светлый и поэтичный («нежно-грациозный», по определению самого Глинки) образ русской девушки. Собинин, жених Антониды, - ополченец, удалой, бесстрашный человек, Ваня - приёмный сын Сусанина, - «простосердечный», по словам Глинки, мальчик тринадцати лет. Образы молодых членов семьи Сусанина - Вани, Антониды, Собинина нарисованы в традициях и интонациях бытовой песни романса.

Русским образам противостоит враждебный лагерь поляков. Развёрнутая хореографическая картина представляет «польский акт» оперы - пышный бал в старинном замке. Эта симфоническая композиция передаёт блеск, изящество и гордость шляхты - польской знати. Звучат мелодии и ритмы полонеза, мазурки, краковяка. Красота музыки завораживает, но в целом простота и задушевность «русских» сцен противопоставлена показной пышности «польского акта».

Наконец два лагеря сталкиваются непосредственно - польский отряд приходит в село Домнино к Сусанину и требует, чтобы тот провёл их к месту, где находится царь Михаил Романов. Сцена Сусанина с поляками в лесной чаще, куда он завёл их на погибель, - кульминация оперы. Развязка трагична - главный герой отдаёт жизнь за Россию. Ночью, в лесу Сусанин исполняет свой предсмертный монолог речитатив «Чуют правду», переходящий в арию молитву «Ты взойди, моя заря», в которой герой просит у Бога сил встретить последний час. В ней звучит и глубокая скорбь, и надежда. Музыка - медленная по темпу, строгая и сосредоточенная по настроению - напоминает церковные песнопения.

Опера «Жизнь за царя» с большим успехом была исполнена 27 ноября 1836 года на сцене большого театра в Петербурге. Передовые люди русского общества высоко оценили ее.

Сознание творческой победы вдохновило композитора на новые замыслы, и через несколько лет появилась опера сказка «Руслан и Людмила » (1842 г.). Она написана на сюжет одноимённой поэмы А. С. Пушкина. Неторопливость развития музыкального действия напоминает древние былины и сказания. В опере есть и народные обрядовые сцены, и красочные картины природы, и фантастические образы. Миру русских богатырей (Руслан, Ратмир), песнопевца Бояна, князя Владимира противостоит сказочный мир волшебников - Черномора и Наины. Богатыри показаны с былинной серьёзностью и эпической величавостью. Черномор и Наина (как и незадачливый соперник Руслана - Фарлаф) нарисованы с несомненной долей юмора; автор как бы говорит слушателю: это всего лишь сказочные персонажи, скорее комические, чем злые. Главная характеристика Черномора, властелина волшебного замка, - полушутливый марш. В создании образов большую роль играет оркестр. Рисуя царство Черномора, композитор использует интонации музыки Востока. Перед слушателем проходят турецкий и арабский танцы, лезгинка. Заканчивается опера «Руслан и Людмила», как и любая сказка, победой добра над злом и торжеством любви.

Романсы и песни Глинки - гордость русской классики. Композитор писал их на протяжении всей жизни. Лирические романсы Глинки - это своего рода исповедь его души. В некоторых из них запечатлены картины русской природы и быта. В романсах Глинка обобщил и развил все лучшее, что было создано его предшественниками и современниками - авторами бытового романса. Многие известные романсы, например «Я здесь, Инезилья», «Я помню чудное мгновенье», написаны на стихи А. С. Пушкина. Обращался Глинка и к творчеству В. А. Жуковского, А. А. Дельвига и других русских поэтов. На слова популярного в то время поэта Нестора Васильевича Кукольника композитор создал цикл из двенадцати романсов «Прощание с Петербургом» (1838 г.), а также знаменитый романс «Сомнение», который любил исполнять выдающийся русский певец Фёдор Иванович Шаляпин.

Для оркестра Глинка писал одно частные симфонические увертюры фантазии. Лучшие его произведения в этом жанре - «Камаринская» (1848 г.), «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). «Камаринская», по общему мнению русских композиторов, положила начало отечественной симфонической музыке. «Испанские» увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» - блестящий пример освоения Глинкой интонаций и стиля испанской музыки. Пьеса для оркестра «Вальс фантазия» (1856г.) подготовила по явление симфонических вальсов П. И. Чайковского.

Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культуру России.

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869)

Даргомыжский - младший современник и последователь Глинки. В историю русской музыки вошел как «великий учитель музыкальной правды», смелый новатор.

Взгляды Даргомыжского сложились в период 30-40х.гг. XIX столетия, время бурного развития русской культуры. Он чутко откликался на все передовое, прогрессивное в русском искусстве. В своем творчестве он был близок к демократическим писателям и художникам России. Особенно тесны связи вокальной музыки Даргомыжского с Пушкиным, Гоголем, Лермонтовым. Не случайно лучшие творения Даргомыжского написаны на стихи Пушкина и Лермонтова.

В творчестве Даргомыжского центральное место занимают романсы и оперы . Камерно вокальную музыку композитор сочинял на протяжении всей жизни: он написал свыше ста романсов, песен, вокальных ансамблей. Эти жанры были для Даргомыжского своеобразной творческой лабораторией - в них формировался его музыкальный язык. Самые известные романсы - «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «И скучно и грустно», «Мне грустно"»(на стихи Михаила Юрьевича Лермонтова). Они проникнуты тонким лиризмом, настроением одиночества.

В творчестве А. С. Даргомыжского появился новый жанр вокальной лирики - сатирическая песня . Яркие примеры подобных произведений - песни «Червяк» и «Титулярный советник» (обе 50 е гг.). Используя речитатив, приближающийся к естественной речи, композитор нарисовал выразительные социальные портреты.

К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка» (1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. «Русалка» - первая русская опера в характере психологической бытовой музыкальной драмы. Основная задача, поставленная композитором, - отражение духовного мира героев, их переживаний и характеров.

В 60х гг. Даргомыжский получил широкое общественное признание. С большим успехом прошли премьеры его опер, композитор был избран членом комитета Петербургского отделения Русского музыкального общества.

«Могучая кучка»

Вторая половина XIX века - пореформенное время, отмена крепостного права, либерализация общественной жизни, расцвет революционных настроений в русском обществе. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Музыкальное искусство не осталось в стороне от жгучих вопросов современности. Народнические позиции характерны для мировоззрения многих композиторов, уверовавших в мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции тех лет, воплотила в музыкальных образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника - первозданной природы.

Жанровое своеобразие русской музыки тесно связано с «литературоцентризмом», характерным для художественной культуры пореформенной эпохи. Порожденный эстетикой реализма, он выразился в приоритетной роли слова, художественного и публицистического. Ведущим жанром музык в это время является опера - историческая, эпическая, лирическая, драматическая. Продолжают развиваться и другие синтетические музыкальные жанры - романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой «музыкальную энциклопедию» русской поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.

Вторая половина XIX века - время возникновения товарищества, получившее с легкой руки критика В.В. Стасова, наименование «Могучая кучка» . В него входили М.А. Балакирев, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков, А.П. Бородин.

«Могучая кучка» - выдающееся явление русского искусства. Она оставила глубокий след во многих сферах культурной жизни России - и не только России. В следующих поколениях музыкантов - вплоть до нашего времени -немало прямых наследников Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, Балакирева. Объединявшие их идеи, их прогрессивные воззрения явились образцом для передовых деятелей искусства на долгие годы.

Главой и руководителем «Могучей кучки» был Милий Алексеевич Балакирев (1836/37-1910). Он является одним из основателей (1862) и руководитель (1868-73 и 1881-1908) Бесплатной музыкальной школы. С 1867 года по 69 год - дирижер Русского музыкального общества, а с 1883 по 1894 управляющий Придворной певческой капеллой. Самые известные его произведения - это «Увертюра на темы трех русских песен»(1858), симфонические поэмы «Тамара» (1882), «Русь» (1887), «В Чехии» (1905), восточная фантазия для фортепиано «Исламей» (1869), романсы, обработки русских народных песен и др.

Среди композиторов «Могучей кучки» Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) был наиболее ярким выразителем в музыке революционно-демократических идей 60х. гг. XIX века. Именно Мусоргский как никогда другой смог многосторонне, с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду жизни русского народа, воссоздать, как сказал В.В.Стасов, «весь океан русских людей, жизни, характеров, отношений, несчастья, невыносимой тягости, приниженности». Что бы ни писал Мусоргский: оперы, песни, хоры, - всюду он выступает гневным и страстным обличителем социальной несправедливости.

В 1863 г. композитор приступил к сочинению оперы «Саламбо» (по одноимённому роману французского писателя Гюстава Флобера), а в 1868 г. - к опере «Женитьба» (на неизменённый текст комедии Н. В. Гоголя). Обе работы остались незавершёнными, но подготовили Мусоргского к созданию оперы «Борис Годунов» (1869 г.), ставшей значительным явлением в русской музыке.

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере «Борис Годунов» по трагедии Пушкина. В этой трагедии Мусоргского привлекла возможность показать в опере пробуждение силы народа, которая выливается в открытое недовольство, а под конец - в стихийное восстание. Основная идея оперы - это конфликт между преступным царем Борисом и народом, приводящий к восстанию. Внимание композитора было сосредоточено на раскрытии основного замысла: столкновение царя и народа. Народ в опере Мусоргского - главное действующее лицо. Несмотря на большое значение массовых сцен, главное внимание в опере уделено характеристике внутреннего мира героев. На первом плане, безусловно, образ Бориса, который раскрывается через развёрнутые сцены-монологи. Блестяще владея техникой речитатива, Мусоргский передаёт в музыке душевное состояние героя - смутную тревогу, скорбь и подавленность, мучительные терзания совести, страх и даже галлюцинации. Очень сложна в опере партия оркестра. Он гибко следует за голосом, добавляя в вокальную партию важные психологические нюансы. Эта опера близка по духу революционно-демократическим настроениям, которые были в Российском обществе в 60-70 гг. XIX века.

В 1872 г. композитор начал работу над оперой «Хованщина», которую сам назвал «народной музыкальной драмой». Одновременно он писал произведение совсем иного плана - лирико-комедийную оперу «Сорочинская ярмарка» по повести Н. В. Гоголя (осталась незаконченной).

По отзывам современников, Мусоргский был превосходным пианистом. Как дань любимому инструменту он создал большую фортепианную сюиту из десяти пьес «Картинки с выставки» (1874 г.). Замысел сюиты сложился под впечатлением от посмертной выставки работ его друга, художника и архитектора Виктора Александровича Гартмана. Цикл начинается со вступления, которое становится лейтмотивом произведения. Автор назвал его «Прогулка» не случайно: оно передаёт движение посетителя по залам выставки. Далее следуют отдельные «картинки»: «Гном», «Старый замок», «Тюильрийский сад», «Быдло», «Балет невылупившихся птенцов и др. Музыка вступления периодически повторяется, и благодаря этому цикл обретает единство и воспринимается как цельное сочинение.

Мусоргский - автор известных песен и романсов. Первая опубликованная песня «Где ты, звёздочка...» (слова поэта и переводчика Николая Порфирьевича Грекова) дала начало лирической теме в вокальном творчестве композитора, до стигшей вершины в романсе фантазии «Ночь» (слова А. С. Пушкина). Забавные зарисовки русскогого родского быта представлены в романсах «Но если бы с тобою я встретиться могла» (слова поэта Василия Степановича Курочкина) и «Светик Савишна» и «Семинарист» (слова композитора).

Мусоргский - композитор подлинно народный, посвятивший все свое творчество рассказу о жизни, горестях и надеждах русского народа. Его творчество было настолько самобытным и новаторским , что до сих пор оказывает сильнейшее воздействие на композиторов разных стран.

Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887) - неповторимо своеобразный композитор. В музыке продолжал во многом традиции Глинки. В своей музыке Бородин воплотил величие и мощь русского народа, героические черты характера русских людей, величавые образы национального былинного эпоса. И наряду с этим в творчестве Бородина встречаются образы лирические, задушевные, полные страсти и нежности.

Бородин - один из создателей русской классической симфонии (2-я, «Богатырская », 1876, открывшая героико-эпическое направление в русском симфонизме; симфоническая картина «В Средней Азии», 1980), русского классического струнного квартета. Мастер вокальной лирики («Для берегов отчизны дальней»); ввел в романс образы богатырского эпоса, воплотил освободительные идеи 60-х гг. 19 в. («Спящая княжна», «Песня темного леса»).

Замечательно произведение древней русской литературы XII века - «Слово о полку Игореве» - увлекло Бородина увлекло его и вдохновило на создание оперы. В «Слове» рассказывалось о неудачном походе отважного князя Игоря на половцев. Автор призывал князей к объединению, и в этой патриотической направленности произведения заключалась его прогрессивная роль. На этот сюжет Бородин создал свою грандиозную оперу «Князь Игорь» (завершена Римским-Корсаковым в 1890 году).

«Князь Игорь» - лирико-эпическая опера в 4х действиях с прологом. Музыка оперы во многом основана на интонациях народных песен - русских и восточных. Яркими красками написаны народные сцены, как русские, так и восточные. В этом Бородин был последователем Глинки, который для изображения стана врагов также находил художественно убедительную характеристику.

Николай Андреевич Римский-Корсаков(1844-1908). Среди композиторов «Могучей кучки» Римский-Корсаков занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка . Вся его жизнь - это беззаветное и бескорыстное служению искусству, верность своим идеалам.

Круг тем и сюжетов, воплощённых Римским-Корсаковым, широк и многообразен. Как и все «кучкисты», композитор обращался к русской истории, картинам народной жизни, образам Востока, он также затронул область бытовой драмы и лирико-психологическую сферу. Но с наибольшей полнотой дарование Римского-Корсакова выявилось в произведениях, связанных с миром фантастики и разнообразными формами русского народного творчества. Сказка, легенда, былина, миф, обряд определяют не только тематику, но и идейный смысл большинства его сочинений. Выявляя философский подтекст фольклорных жанров, Римский-Корсаков раскрывает мировоззрение народа: его извечную мечту о лучшей жизни, о счастье, воплощённую в образах светлых сказочных стран и городов (Берендеево царство в «Снегурочке», город Леденец в «Сказке о царе Салтане»); его нравственные и эстетические идеалы, олицетворением которых служат, с одной стороны, пленительно-чистые и нежные героини опер (Царевна в «Кащее бессмертном»), с другой - легендарные певцы (Лель, Садко), эти символы неувядаемого народного искусства; его преклонение перед животворной мощью и вечной красотой природы; наконец, неистребимую веру народа в торжество светлых сил, справедливости и добра - источник оптимизма, присущего творчеству Римского-Корсакова.

Особенности стиля и художественного метода композитора с наибольшей полнотой раскрылись в оперном творчестве . 15 опер Римского-Корсакова представляют необычайное разнообразие жанровых, драматургических, композиционных и стилистических решений. Среди них - сочинения, тяготеющие к номерной структуре («Майская ночь», «Снегурочка», «Царская невеста») и к непрерывному развитию («Моцарт и Сальери», «Кащей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже», «Золотой петушок»); оперы с широкими массовыми сценами («Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Млада», «Садко», «Китеж» и без них («Моцарт и Сальери», «Вера Шелога», «Kaщей бессмертный»), с развёрнутыми законченными ансамблями («Царская невеста») и без ансамблей («Moцарт и Сальери», «Золотой петушок»). В каждом конкретном (случае выбор жанра, принципы драматургического и стилистического решения обусловлены сюжетными предпосылками. Я никогда не верил и не верю, - подчёркивал Римский-Корсаков, - в одну единую истинную оперную форму, считая, что сколько на свете сюжетов, столько (почти столько) должно быть и соответствующих самостоятельных оперных форм . Утверждая взгляд на оперу как на произведение прежде всего музыкальное, Римский-Корсаков предъявлял в то же время высокие требования к её поэтической основе, единству и выдержанности литературного стиля. Он активно направлял работу либреттистов. Ряд оперных либретто композитор написал сам.

Симфоническое творчество Римского-Корсакова в сравнении с оперным не столь масштабно и многообразно. Однако и в эту область он внёс яркий и своеобразный вклад. Образная конкретность музыкального мышления композитора определила его склонность к программному (главным образом, живописному, изобразительному) и жанровому (связанному с народным песенным и танцевальным тематизмом) симфонизму. Отсюда характерный выбор жанров и форм - увертюра (фантазия), симфоническая картина, сюита и определённая направленность стиля - тяготение к вариационности, орнаментике в развитии материала, особое внимание к колористическим возможностям гармонии и оркестровки.

Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их - глубокое проникновение в жизнь и быт народа, его думы и чаяния.

Гениальный Петр Ильич Чайковский (1840-1893гг.)

Среди русских композиторов-классиков выделяется имя Чайковского. Оно дорого любителям музыки всего мира. Произведения его в равной мере захватывают и волнуют всех людей - музыкантов-профессионалов и широкого слушателя. Свое творчество Чайковский посвятил человеку, его любви к Родине и русской природе, его стремлениям к счастью, мужественной борьбе с темными силами зла. В музыке композитора - вся жизнь человека с ее радостью, скорбью, надеждами, борьбой, отчаяньем. И о чем бы ни говорил Чайковский - он всегда правдив и искренен.

Стиль музыки Чайковского сложился в контексте нетрадиционных представлений композитора о природе национальной самобытности. В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский фольклор не был для него универсальным источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского фольклора, а обращался к «интонационному словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские интонации в сочетании с эмоциональной открытостью, искренностью и мелодичностью сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

Чайковский писал почти во всех жанрах и в каждом из них сказал свое новое слово гениального художника. Но, пожалуй, самым любимым для него жанром была опера. В ней Чайковский явился подлинным реформатором. Оперу композитор представлял себе как самый демократичный жанр. «Опера, - писал он, - и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой...». В основе оперного действия - сильные человеческие чувства и переживания. Большое внимание уделял Чайковский содержанию своих опер, отдавая при этом всегда предпочтение сюжету из русской жизни, поскольку именно русского человека он по-настоящему хорошо знал и понимал.

Одно из лучших произведений Чайковского опера «Евгений Онегин». Еще задолго до решения написать оперу на сюжет «Евгения Онегина» Чайковский горячо увлекся стихами Пушкина. Одним из его любимых мест стихотворного романа было письмо Татьяны к Онегину, и композитор мечтал сочинить музыку на эти слова. Первое исполнение оперы по желанию композитора состоялось силами студентов Московской консерватории под руководством Н.Рубинштейна 17 марта 1879 года.

Свою оперу Чайковский назвал «лирическими сценами». Все внимание композитор сосредоточил на раскрытии внутреннего, душевного мира своих героев.

Опера «Евгений Онегин» - одно из высоких достижений русского оперного искусства. Правдивые образы Пушкинского романа помогли разрешить задачу создания «интимной, но сильной драмы», действующими лицами которой являлись «настоящие живые люди». Личная драма героев разворачивается на фоне бытовых картин. Разнохарактерные бытовые сцены придают опере особенную прелесть.

Новаторство «Лебединого озера»- необычность и непохожесть его на все предшествующее - если и было не до конца сразу понято, то сразу же отмечено и публикой и критикой, хотя порой и вызывало недоумение просвещенных меломанов. Одни упрекали композитора в бедности творческой фантазии, однообразии тем и мелодий, в некоторой монотонности. Другие считали, что музыка прекрасна, более того - даже слишком хороша для балета. Тем не менее премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877 года) прошла с успехом, и спектакль оставался в репертуаре до 1883 года, когда пришли в полную негодность декорации этой постановки.

Первый отзыв в прессе, где создание нового балета было оценено по достоинству, принадлежал Г.А. Ларошу: «По музыке "Лебединое озеро" - лучший балет, который я когда-нибудь слышал... Мелодии, одна другой пластичнее, певучее и увлекательнее, льются как из рога изобилия; ритм вальса, преобладающий между танцевальными номерами, воплощен в таких разнообразных грациозных и подкупающих рисунках, что никогда мелодическое изображение даровитого и многостороннего композитора не выдерживало более блистательного испытания...»

Вместе с тем важное место в творчестве Чайковского занимает и симфоническая музыка. Им написаны 6 симфоний и программная симфония «Манфред», три концерта для фортепиано с оркестром, один для скрипки и ряд оркестровых сюит. Из симфонических одночастных пьес особенно выделяются фантазия «Франческа да Римини» и программные пьесы на сюжеты Шекспира (увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия «Буря»).

Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама» и др.), три балета (« Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления.

«Я желал бы всеми силами души, - писал Чайковский, - чтобы музыка моя распространялась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору» . Желание композитора сбылось.

Творчество Чайковского - вершина мировой музыкальной культуры XIX века - вечно живой и драгоценный родник, из которого не перестают черпать вдохновение композиторы XX века и наши современники.

Заключение

XIX век дал русской и мировой музыке замечательные сочинения. «Руслан и Людмила» и «Иван Сусанин», «Евгений Онегин» и «Лебединое озеро» составляют гордость русской культуры. В золотой фонд русской музыки вошли произведения Бородина, романсы Балакирева, Римского-Корсакого, Бородина, Кюи.

Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное - получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки, лучше узнать самих себя.

Кто самый любимый русский композитор в Америке в наши дни? Конечно же, Чайковский. Многие американцы даже считают Петра Ильича американским композитором. Он в Америке дирижировал своими сочинениями, когда был приглашён на открытие знаменитого Карнеги-Холла в Нью-Йорке. Его музыка почти ежедневно звучит в Америке по радио, особенно 4-я и 6-я симфонии и 1-й концерт для фортепиано с оркестром. Любимым балетом американцев является «Щелкунчик».

Творчество композиторов-классиков Глинки, Даргомыжского, Бородина, Римского-Корсакова, Чайковского - подлинное сокровище русской культуры XIX века. Их традиции нашли претворение и развитие в произведениях композиторов конца XIX-начала XX столетия - Танеева и Глазунова, Лядова и Аренского, Калиникова, Скрябина и Рахманинова. Все они - достойные преемники своих великих предшественников.

В своей курсовой работе я показала музыкальное развитие России XIX века, проанализировала состояние музыкальной культуры, выявила ее особенности, рассказала о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявила значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

Русская музыкальная культура XIX века через слияние с европейской культурой, через ее преобразование приобрела самобытные особенные черты и стала в свою очередь оказывать на нее существенное влияние, развиваясь и по сей день.

Список литературы

1.Большая советская энциклопедия

2.Левашова О., Келдыш Ю. История русской музыки-М.,1980

Энциклопедия Кругосвет

Смирнова Э. Русская музыкальная литература - М.,2001

Никитина Л.Д. История русской музыки-М., 1999

Рапацкая Л.А. История русской музыки: От Древней Руси до «серебряного века»-М.,2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Приложение 1

Гурилев, Варламов,Алябьев, Верстовский

Федор Иванович Глинка

Эскиз костюма Светозара. Опера «Руслан и Людмила»

Приложение 2

Петр Ильич Чайковский

Балет «Щелкунчик» при участии актеров Большого театра

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.